Les Mémés T06 À la recherche du temps qui reste

Depuis que je suis une petite fille, j’ai toujours rêvé d’être une licorne !

Ce tome fait suite à Les Mémés T05 Punks à chien (2025) qu’il n’est pas nécessaire d’avoir lu avant, mais cela n’aurait pas de sens de s’en priver. Son édition originale date de 2026. Il a été réalisé par Sylvain Frécon pour le scénario, les dessins et les couleurs. Il comprend cinquante-trois planches de bande dessinée et quarante-six gags en une page, et quatre en deux pages et un en trois pages.

Volonté, une page : le réveil sonne, Huguette se lève d’un bond, tonique, elle s’habille d’une traite en survêtement avec ses baskets, elle prend son sac de sport et elle rejoint au petit trop sa salle de sport Fitness Club. Elle gagne les vestiaires où elle se change, et s’apprête à fermer son casier quand la sonnerie de son téléphone portable se fait entendre. Lucette et Paulette l’appellent pour lui dire qu’elles sont en train de se faire un apéro et lui proposer de les rejoindre. Elle explique qu’elle se trouve à la salle de sports, mais elles lui répondent qu’elle pourra y aller après, en plus c’est le Beaujolais nouveau ! N’écoutant que son cœur, elle les rejoint, et s’en prend à deux autres consommateurs en jogging. Dirty slip, une page : une copine retrouve les trois amies au marché, et leur déclare qu’en faisant le ménage, elle vient de retrouver un vieux slip de son dernier mari. Elle continue : elle l’a lavé ! Les trois amies s’en offusquent en poussant un cri en chœur. Elle les détrompe : elle l’a mis comme il est sous son oreiller, c’est son doudou pour la nuit. Vacances : Lucette est bien installée dans un fauteuil chez une amie, elle-même dans son fauteuil, avec le ventilateur ronronnant énergiquement. L’hôtesse explique qu’elle ne part plus en vacances, que c’est pour les jeunes, qu’à leur âge, on attend, on reste chez soi près du ventilo, on s’hydrate, et puis il y a le tour de France à la télé, ça fait voir du paysage. Lucette lui demande à quoi sert le rouleau de papier toilette sur la petite table. L’autre répond que c’est quand elle va aux cabinets, elle aime bien y aller avec son rouleau de PQ à la main, ça donne un p’tit côté camping.

Melon, une page : Lucette et Paulette sont au supermarché en train de renifler les melons qui sont en promotion. La seconde déclare que : Trouver un bon melon, c’est comme trouver un bon mari… faut du nez ! Rhââ lovely, une page : un pigeon est en train de roucouler autour d’une pigeonne dans une parade amoureuse, et il finit par lui sauter dessus, sous l’œil des trois mémés, Lucette constatant : La vache ! c’qu’y lui met ! Huguette soupire : Si seulement c’était les pigeons qui les regardaient s’accoupler… Les deux autres ne comprennent pas sa remarque. Cyclope, une page : Huguette s’observe nue devant son miroir, sous toute les coutures, se baissant pour voir sur son postérieur. Elle en discute avec ses deux amies au comptoir, leur déclarant que là il l’a fixée de son regard noir de cyclope ! Elle n’en menait pas large. Paulette lui répond qu’il faut faire attention, parce que comme disait Nietzsche : Si on regarde dans l’abîme, il faut se méfier, car l’abîme regarde aussi en soi.

Ça fait plaisir de découvrir que le vœu du lecteur a été exaucé : une longue vie aux mémés ! Parce qu’à leur âge, rien n’est moins certain que le lendemain, comme l’indique le titre de l’album, elles courent à la recherche du temps qui reste… et il faut également que le lectorat (ou les ventes) soit au rendez-vous. Il sait qu’il peut faire confiance à l’auteur pour montrer frontalement les difficultés venant avec la dégénérescence physique, et que le temps est compté à ces personnes du quatrième âge. Elles abordent donc leurs maladies et autres incapacités, avec une franchise sans tabou, des conversations d’habitude évitées en bonne société. Sans aller jusqu’à dire que tout y passe, elles évoquent la prise de poids incontrôlable, la vulnérabilité face aux grandes chaleurs, le manque de désir physique et l’absence de relations sexuelles, le transit intestinal paresseux, les exploits du quotidien comme maintenir ses toilettes impeccables, la laideur physique, l’alcool comme l’un des rares plaisir encore possible, la pilosité, les articulations douloureuses, les grandes guiboles, le poids d’une paire de fesses, etc. À nouveau, il les représente dans le plus simple appareil, avec une grande tendresse. Ce respect du bédéaste vis-à-vis des mémés déteint sur l’état d’esprit du lecteur, attendri lui aussi, bien conscient que lui-même, quel que soit son âge, a pu éprouver, ne serait-ce que de manière passagère, des moments de vulnérabilité occasionnés par les mêmes tracas.

Comme en atteste la couverture, l’allure de ces mémés relève de la caricature : gros nez à la dimension et à l’allure impossibles, pour commencer. Puis dans les pages intérieures : bassin très élargi, poitrine tombante au-dessous du nombril, dentition raréfiée (peut-être seulement deux dents pour Paulette), couleur de cheveux improbable (violet, également pour Paulette), vêtements informes et sans âge (ou plutôt d’un autre âge), et leurs bourrelets ont des bourrelets. Pourtant… nul mépris ou condescendance vis-à-vis d’elles, ces représentations rappellent qu’elles font leur âge, et empêchent le lecteur d’oublier qu’elles ont dû dépasser les quatre-vingt printemps. Il les regarde même avec une admiration certaine pour leur envie de vivre intacte et leur force de caractère qui leur permet d’être dans l’acceptation de leur condition physique. Autre effet singulier de cette approche caricaturale : les trois gags où Huguette se trouve dans le plus simple appareil ne dégagent ni sensation de voyeurisme, ni de complaisance malsaine. Inattendu également, ces trois mémés interagissent parfois avec des personnes âgées encore plus mal en point qu’elles, comme la dame dont le petit chat est mort, ou celle qui se coince le bras à force de faire un doigt d’honneur. Enfin, régulièrement, leur visage ou leur langage corporel se modifie sous l’effet d’une forte émotion : la consternation de ne pas se faire comprendre, l’implication totale à nettoyer ses toilettes, le désarroi en se regardant dans le miroir, un solide appétit en faisant son affaire à un kébab, un rire franc et massif à un bon mot, l’entrain de circonstance lors d’une fête de nouvel an, etc.

Comme à son habitude, le dessinateur compose des planches avec des cases sans bordures, sagement alignées en bande, dont neuf gags fonctionnant sur la base d’une unique illustration en pleine page, et deux gags muets. Le nombre de cases par page varie de trois de la largeur de la page, à une dizaine avec une majorité de bandes comprenant deux cases. Même si elles peuvent parfois donner l’impression d’être impotentes, ces mémés ont conservé leur autonomie pour se déplacer, et elles emmènent le lecteur à la salle de sport, au comptoir dans un café, au marché découvert, dans leur salon, au jardin municipal, dans leur salle de bain, en terrasse au café au bord de la mer, à l’arrêt de bus, au cimetière, dans l’escalier de leur immeuble, dans un magasin de vêtements, au pied de la colonne à verre sur le trottoir, aux urgences à l’hôpital, dans leur chambre à coucher, dans une sanisette, au musée, chez le psychologue, quelle santé ! À chaque fois, le dessinateur sait donner de la consistance à chaque lieu, faisant comprendre en quelques coups de crayon de quel endroit il s’agit, en lui donnant des caractéristiques spécifiques. Les gags sont souvent racontés en plan fixe, soulignant l’idée que ces mémés papotent et se reposent plus qu’elles ne courent partout ou ne s’agitent en tous sens inutilement. Régulièrement un gag va reposer ou s’appuyer sur sa dimension visuelle : tâter les melons, se contorsionner devant son miroir pour s’examiner sous toutes les coutures, observer un pigeon sur une branche au-dessus des tables en terrasse, se curer le nombril, s’amuser avec la télécommande de son caddie, etc.

Comme à son habitude, l’auteur met en œuvre différents registres d’humour, visuel ou par les dialogues : le comportement de ces dames cacochymes en décalage avec des actifs plus jeunes, l’acceptation de leurs limites sous la forme d’objectifs revus à la baisse, la nostalgie d’activités révolues, la confrontation à la modernité, etc. Ce dernier s’avère d’une efficacité redoutable qu’il s’agisse d’accoler ces valétudinaires à l’habitude d’aller à la salle de sport, ou de les voir en train d’engloutir un kébab servi généreusement. Parfois, l’auteur taquine l’absurde ou l’embrasse franchement, que ce soit Huguette très fière d’avoir tricoté un bonnet en laine mérinos en forme de clitoris, ou cette expérience paranormale avec une sanisette qui leur vaut d’aller témoigner incognito dans l’émission télévisée Enquêtes Paranormales. Régulièrement, le lecteur se retrouve attendri par la manière dont leur mortalité leur est rappelée : le souvenir d’un mari défunt, un geste en mémoire d’une copine récemment décédée (jeter une bouteille de Châteauneuf-du-Pape dans une colonne à verre en souvenir de la mère Nicolas), se peigner les poils du pubis, tenter d’envisager l’avenir, se dire qu’on peut encore servir à Noël prochain, etc. Ou encore ce moment plein de poésie où Huguette croise une copine sur le trottoir qui se balade avec une corne bricolée sur le front et qui déclare que : Depuis qu’elle est petite fille, elle a toujours rêvé d’être une licorne.

Pour le plus grand plaisir du lecteur, ces mémés semblent increvables : elles continuent à faire preuve d’une pulsion de vie qui reconnaît que le temps qui reste s’amenuise, et qui s’en accommode et s’y adapte. Le dessinateur les caricature à l’envie, les affublant d’une allure fortement marquée par la déchéance physique sans rien laisser à l’imagination du lecteur, avec un respect empreint de tendresse, une preuve d’humanité remarquable. Qu’elles se confrontent à la modernité, à leurs limites ou à leur mortalité, rien ne semble pouvoir entamer leur caractère et leur détermination à vivre le quotidien. Elles sont impayables.

Légère comme une enclume

L’humour a le droit d’être transgressif et provocateur.

Ce tome constitue un recueil d’histoires courtes de nature autobiographique. Son édition originale date de 2026. Il a été réalisé par Zelba (Wiebke Petersen) pour le scénario et les dessins, ainsi que la mise en aquarelle gris-bleu avec quelques taches de couleurs dans certaines histoires. Il contient trente-six récits de une à dix-sept pages, tous mettant en scène son autrice. Il comprend environ cent-cinquante pages de bande dessinée, et cinq illustrations qualifiées d’errance au pinceau.

Une place soi, onze pages : l’autrice évoque sa carrière dans le monde de la bande dessinée. En 2009, Zelba a accouché de sa première BD par la voie la plus basse : Ma vie de poulpe, une compilation des histoires de son blog BD. Les bédéastes professionnels ont considéré ça comme de la sous-BD. Pourtant, la bande dessinée a pendant longtemps souffert d’une image d’art mineur. Il est d’autant plus étonnant d’observer une certaine arrogance au sein de ce milieu à la réputation débonnaire. Bien que les blogs BD touchent un large public, ils étaient considérés par la profession comme une branche inférieure. Zelba était fatalement une autrice discount. Et elle avait un handicap supplémentaire : elle n’avait jamais lu un seul Tintin. Ni Blake et Mortimer, ni Lucky Luke, ni Gaston Lagaffe, ni Corto Maltese, ni Thorgal. Rien, pas même Astérix. À cette époque, comment aurait-elle pu s’appeler une autrice alors que le français n’était même pas sa langue maternelle. Une langue d’emprunt pour une impostrice. Les signaux envoyés étaient tellement contradictoires. D’un côté, il y avait son entourage proche et son public… De l’autre côté, il y avait son milieu professionnel qui restait dominé par des hommes qui fonctionnait beaucoup par cooptation, que ce soit pour des projets collectifs, des salons ou des expos. Quelques rares autrices savaient aussi porter des coups qui mettaient K.-O. On était à mille lieues de la sororité.

Les filles de 1973, deux pages : un matin de 2022, alors que Zelba boit tranquillement son café, la radio offre à ses oreilles une vieille chanson de Vincent Delerm : Les filles de 1973 ont trente ans. Cette chanson l’a toujours amusée. Elle fait partie de ces filles de 1973. Leurs trente ans remontent à 2003 (Perspicace !) et, dans le meilleur des cas, elles souffleront leurs cinquante bougies l’année prochaine. L’idée de vieillir l’enchante peu. Mais quand elle se revoit à trente ans et aujourd’hui… il n’y a pas photo. Elle ne voudrait manquer aucune de ces vingt dernières années. Pas même la plus difficile. Elles sont son plus précieux bagage. Au fil de ces années, la source des rêves et envies ne s’est jamais tarie. Ça vaut bien quelques rides sur la figure, non ? – Miction impossible, une page : depuis la chambre son mari constate que Zelba est contorsionnée au-dessus des toilettes attenantes, il lui demande si elle fait des acrobaties urinaires. Elle ricane et répond qu’elle évite que son derrière touche les lunettes des toilettes glaciales. Il fait observer qu’en français, on dit une lunette de toilettes, et non des lunettes. Elle répond du tac au tac qu’une lunette ça n’existe pas, et quand il n’y en a qu’une seule, ça s’appelle un monocle.

S’il a lu un de ses ouvrages biographiques, comme Dans le même bateau (2019) ou Mes mauvaises filles (2021), le lecteur connaît déjà la personnalité de l’autrice, son humour chaleureux, sa capacité à l’autodérision et un franc parler avec lequel elle aborde des sujets intimes. Dans la première histoire, il la voit échanger avec l’attachée de presse chez Futuropolis qui la conduit au bureau pour déposer un nouveau paquet de planches pour le présent livre. Elle dit à Anne-Gaëlle que ces histoires ne font pas trop Futuro. L’attachée la détrompe : aussi différents que soient les livres de la bédéaste, on la reconnaît à chaque fois. Elle continue : Zelba a vraiment fait sa place, une place bien à elle. De fait, le lecteur reconnait immédiatement sa liberté de ton, que ce soit dans sa façon de se mettre à nu (ses acrobaties pour ne pas toucher la lunette des toilettes, ses relations avec son époux, avec sa sœur, la petitesse de sa poitrine), et ses indignations, voire ses colères, contre les hommes qui prennent les femmes de haut, contre la souffrance dans le monde, l’homophobie de son père, l’ablation automatique des amygdales. Il retrouve également ses dessins très vivants, pouvant tour à tour se montrer mutins et caustiques, ou affectueux et sensibles.

Premier effet de la narration visuelle de la bédéaste : les sourires et l’empathie. Pour commencer, elle-même sourit régulièrement, faisant régulièrement preuve de facétie. Ensuite elle sait faire exprimer une émotion sur un visage, et exagérer ce qu’il faut la direction d’acteurs pour la rendre plus parlante, façon comédie, ou façon tragédie. Le sourire vient naturellement dès la première image : une Zelba jeune tendant fièrement sa première BD, et deux professionnels aguerris situés un peu plus (avec un cartouche de texte comme piédestal) alarmés à la mention du mot Blog. En voyant la réaction de Zelba adolescente assistant à une représentation de la Traviata, le lecteur sent les larmes lui monter lui aussi aux yeux, et l’envie soudaine d’aller voir cet opéra également. Impossible de résister non plus aux contorsions qu’elle réalise pour éviter de toucher la lunette de toilettes, soit trop froide chez elle, soit trop à risques dans les lieux publics. Ou encore à l’utilisation d’une baguette magique pour augmenter la taille de sa poitrine, et à son expression mi-comblée, mi-honteuse. Cette artiste fait preuve d’un doigté peu commun pour créer une connivence avec sa lectrice ou son lecteur, sur tous les sujets y compris les plus intimes. La voilà en train de raconter la panne définitive de Lindbergh (son vibromasseur), l’usage qu’elle en a et sa démarche pour le remplacer : elle trouve la juste mesure entre dessiner explicitement la réalité et établir les limites de sa pudeur, ce qu’elle réussit haut la main.

Outre la sensation de vie irradiant des personnages et les émotions nuancées, la narration visuelle enchante à plusieurs autres titres. La bédéaste évoque de nombreuses rencontres, au travers de relations variées. Cela va de la condescendance paternaliste de plusieurs anciens de la profession (dont un même pas conscient de sa misogynie qui demande à Zelba de se retourner pour comparer avec le derrière de son ex-femme), à son amitié avec Marzena Sowa et d’une rencontre bien arrosée. Dans les deux cas, la direction d’acteurs exprime parfaitement les états d’esprit. Dans la première histoire, elle rend hommage à huit autres autrices de bande dessinée (Gally, Aude Mermilliod, Marzena Sowa, Anne-Caroline Gandolfo, Léonie Bischoff, Isabelle Autissier, Chloé Cruchaudet, Isabelle Maroger), et s’il a eu l’occasion d’en rencontrer une ou de la voir sur les réseaux sociaux, le lecteur l’identifie immédiatement. Au cours de ces dizaines de nouvelles, elle emmène le lecteur dans des endroits très variés, transcrivant avec aisance leurs caractéristiques et leur personnalité, sa maison régulièrement représentée, le bureau de son éditeur Sébastien Gnaedig, différents cafés, l’opéra Unter den Linden à Berlin, une salle de cours de danse, un grand terrain vague, une clinique pédiatrique, etc. Le lecteur note que la démarche d’honnêteté de la bédéaste prend souvent la forme de la mise en scène de moments d’intimité, jusqu’à des échanges avec son mari dans la chambre à coucher, et aux toilettes aussi.

En trente-six récits, l’autrice aborde de nombreux sujets, aussi bien professionnels que personnels, et rappelle de temps à autre son positionnement féministe, c’est-à-dire le refus des différentes formes de discriminations. Elle dit son indignation face à l’homophobie de son père, et son malaise ou plutôt sa rage contre les guerres en Ukraine et au Proche-Orient, celles qui embrasent l’Afrique, la souffrance des peuples ukrainien, palestinien, nigérien, libanais, soudanais… sans oublier les Juifs à travers le monde. Elle se demande comment éviter que son empathie ne s’émousse. Elle met en scène des moments banals comme illustration de questionnements, de sources de réflexion. Cela peut aussi bien être des souvenirs d’enfance ou d’adolescence : un cours dans une école de danse, une opération dans une clinique pédiatrique pour résoudre une énurésie, l’ablation des amygdales, ce qui induit des interrogations sur le comportement qui consiste à faire comme tout le monde, sur d’autres enfants à l’hôpital pour des raisons médicales plus graves, ou sur la force des souvenirs d’enfance. D’autres inspirations proviennent de sa vie adulte, avec là encore cette capacité à l’autodérision, à l’humour fonctionnant sur la gentillesse, et son point de vue personnel. Outre ses valeurs morales, la lectrice ou le lecteur ressent qu’il s’agit du point de vue d’une femme, que le choix du partage de l’intimité engendre une proximité chaleureuse qui permet à tout à chacun de se projeter dans cette position de femme, et d’éprouver une empathie pleine et entière en partageant ses ressentis, en les éprouvant soi-même, une réussite remarquable.

Un recueil de plus d’une trentaine d’histoires courtes dans lesquelles l’autrice évoque différents moments de sa vie, des anecdotes et des faits marquants, relevant aussi bien de sa vie personnelle que de sa vie professionnelle, avec un savant dosage entre pudeur et intimité. Le lecteur tombe sous le charme de la narration visuelle : personnages très vivants, autodérision et humour respectueux, situations et lieux très divers. Elle énonce clairement ses valeurs et ses convictions, les présentant comme les siennes propres, sans prosélytisme, de manière très expressive. Chaque page découle naturellement de sa personnalité, avec un point de vue féminin et humaniste. Un délice… ou plutôt un assortiment de délices.

Figures imposées

Les papillons n’ont jamais éclos. Ils sont morts à l’état larvaire.

Ce tome contient une histoire complète, indépendante de toute autre. Son édition originale date de 2026. Il a été réalisé par Marzena Sowa pour le scénario et par Cristina Buena pour les dessins et les couleurs. Il comprend trente-deux planches de bande dessinée. Il fait partie des quatre premières parutions de la collection Intermezzo, les trois autres étant Jane dans les nuages de Jordi Lafebre, Les oranges amères de Javi Rey, Pensionnaires de Pierre-Henry Gomont.

Marilou, une jeune femme d’une vingtaine d’années, est en train de s’habiller avec son uniforme d’hôtesse. En elle-même, elle commente : C’est arrivé un peu avant #MeToo. Elle lisait Virginie Despentes, elle avait étudié Virginia Woolf et Simone de Beauvoir. Elles l’inspiraient, la faisaient réfléchir. Mais dans la vraie vie, dans son entourage, ses copines voulaient avant tout être des canons de beauté. Le mot d’ordre était de plaire. Elle n’y échappait pas. Autour d’elle, une demi-douzaine d’autres jeunes femmes revêtent la même tenue. L’une d’elle demande du mascara car elle a oublié le sien. Une autre demande si elle peut garder ses ballerines, la réponse ne se fait pas attendre, négative et définitive. L’organisatrice explique que les talons leur font remonter le fessier, elles seront plus élancées. Et elle paie pour ça. Elle a l’œil à tout : elle redresse un foulard, et va chercher un collant pour une autre. Elle sort de la grande salle, et fait fuir deux petits garçons qui regardaient par le trou de la serrure. Les invités commencent à arriver au château de la veuve Rousseau.

Dans la grande salle, l’organisatrice donne ses dernières recommandations : il faut se dépêcher ! Elle est émue de les voir si magnifiques. Elles sont l’image parfaite de l’agence Wow Samantha. Elle les a sélectionnées pour cette journée dans la superbe demeure de la Veuve Rousseau. Cette femme était en avance sur son temps. Une éclaireuse. Un exemple à suivre. Si elles ne connaissent pas son histoire, elle les invite à la découvrir à l’occasion. Une dernière chose : Les consignes. Qu’on ne les voie pas en train de manger ou boire. Si elles doivent absolument fumer, qu’elles s’isolent. Elles seront sûrement sollicitées, qu’elles apprennent à mettre de la distance avec leurs interlocuteurs, bien sûr tout en restant polies. Ce ne sont que des compliments. Elles peuvent la croire, ça leur manquera plus tard. Donc qu’elles en profitent. Voilà, tout est dit. Maintenant, c’est à elles. Marilou demande concrètement, que doivent-elles faire ? Ah oui, pour les quelques nouvelles, elles sont hôtesses d’accueil, tout est dans le nom. Elles accueillent. Elles saluent. Elles orientent les invités. Ils auront besoin de se sentir entourés. Elles sont là pour ça. Quelques heures plus tôt, le réveil sonnait dans la chambre de Marilou, elle avait l’opportunité de tester un nouveau job, clairement alimentaire. Elle n’en pouvait plus de s’occuper des enfants des autres, supporter leurs cris, essuyer leurs larmes et leurs fesses.

Sur la couverture, une jeune femme en soutien-gorge en train d’attacher ses longs cheveux, le dessin continue sur la quatrième de couverture avec deux autres jeunes femmes en train de s’apprêter avec la même tenue. Le dessin est respectueux de la jeune femme, tout en mettant en lumière comment ce préparatif la transforme en objet soumis au regard d’autrui, et son coup d’œil jeté en arrière, montrant qu’elle sait qu’elle est regardée. La première page établit également son point de vue : pré-MeToo et disposant d’une culture féministe acquise sciemment… tout en évoluant dans un milieu où l’ambition de ses copines est de plaire, l’entraînant dans cette disposition d’esprit. En effet le récit va mettre en scène cette tension entre cette mission d’hôtesse d’accueil dans une tenue près du corps, avec des jeunes femmes choisies pour leurs caractéristiques physiques, et des hommes qui réagissent à cette condition, en les voyant soit comme des meubles ou de simples accessoires sans âmes, soit comme de potentielles partenaires sexuelles mises à leur disposition, a priori consentantes. Le récit est raconté du point de vue de Marilou, sans agressivité particulière, sans la sensation d’être une victime, encore moins une proie. Les dessins restent respectueux sans la sexualiser ou en faire un objet, l’organisatrice explique les barrières à mettre pour éviter que les visiteurs du domaine de la Veuve Rousseau ne se permettent des privautés. Juste un boulot pour une après-midi et une soirée, avec un salaire bienvenu.

Dès le début, le lecteur tombe sous le charme discret des dessins. Des cases sans bordure ce qui adoucit l’impression générale de la planche. Des couleurs douces dans un registre globalement réaliste, avec quelques effets de temps à autre. Parfois des arrière-plans estompés avec une couleur reprenant celle principale du décor, d’autres fois une teinte déclinée en nuances pour habiller un endroit comme la cuisine de la colocation de Marilou, la teinte jaune ambre lors de la soirée pour évoquer l’ambiance lumineuse chaude dans laquelle baignent les invités, le bleu de minuit quand trois hôtesses restent cachées dans une pièce, ou encore des personnages sur fond blanc vierge pour mieux mettre en valeur leur situation. Les personnages sont représentés avec un degré de simplification, les rendant immédiatement accessibles, et sympathiques, ou au moins humains pour ces commerciaux chez la veuve Rousseau. L’un d’entre eux finit par se montrer abject et l’expression de son visage se trouve alors enlaidie par l’émotion répugnante qui l’habite. L’air de rien, l’artiste dessine des décors solides. Une très belle vue d’ensemble de la façade du château du domaine du champagne, avec devant les invités en train d’arriver, la cuisine où les deux jeunes femmes sont à l’étroit dans l’appartement en colocation, la belle bouteille de champagne et les flutes remplies, l’estrade devant les marches de l’escalier d’honneur menant au perron, l’immense salon à l’étage avec sa hauteur sous plafond imposante et sa cheminée de taille tout aussi respectable. Le lecteur se trouve bien content de pouvoir lui aussi visiter le château, aux côtés d’une hôtesse.

La narration visuelle se déroule avec un grand naturel, comme si la bande dessinée avait été réalisée par une seule créatrice. Les autrices consacrent tout juste deux pages (et encore la première ne comprend qu’une seule illustration) aux jeunes femmes finissant de revêtir leur tenue, avec des gestes dénotant déjà une maîtrise en la matière : lisser les cils, attacher ses cheveux en arrière, abaisser le chemisier, chausser ses talons, aider une copine à remonter la fermeture éclair de sa jupe, des gestes banals exécutés avec la précision de l’habitude. Elles évitent la sexualisation d’un regard masculin, pour conserver le point de vue d’une hôtesse se conformant aux règles du boulot, et souffrant silencieusement dans les chaussures à talons. Tout juste une case très chaste consacrée à la douche matinale et une autre à une agression sexuelle. Le lecteur ressent que ces moments sont racontés du point d’une femme, sans que cela ne soit ni ostentatoire, ni revendicatif, juste ordinaire. Pour autant, cela n’enlève rien à l’équivocité de gestes tout aussi banals que le frôlement d’une main masculine sur une cuisse juste pour toucher la douceur d’un collant, ou le massage d’un pied par pure bonté d’âme. Chacun de ces moments ne dure que le temps d’une case, produisant l’effet d’être intégré aux autres moments tout aussi banals, un aspect du quotidien pour chacune d’entre elle. Un instant représenté comme les autres, qu’il s’agisse des missions d’accueil ou de papotages pendant les pauses, entre hôtesses ou avec les commerciaux, qui leur ont réservé quelques bouteilles de champagne, ou d’une pause aux toilettes lui permettant d’en profiter pour consulter ses messages. Toutefois, l’histoire de la veuve Rousseau vient donner un exemple positif d’émancipation… dans un premier temps, avant que l’une des hôtesses fasse remarquer à Marilou, que derrière chaque femme se tient des hommes… prêts à s’approprier ses possessions.

Juste une mission d’hôtesse le temps d’une soirée, l’occasion de représenter une marque de prestige, de gagner cent cinquante euros brut, et d’avoir accès au château de la veuve Rousseau. La soirée se déroule tout à fait normalement, sans débordement particulier, ces demoiselles rendant les menus services d’accueil, et aussi de prendre une photographie, d’aider à descendre les marches pour un landau. Pourtant la première page annonce haut et fort le décalage, le regard particulier de Marilou, son esprit ayant croisé des idées féministes. La narration se tient à l’écart de toute forme d’endoctrinement, de prêche ou même de vulgarisation. Il se trouve que Marilou est dans une relation peu gratifiante avec Paul qui dort avec elle dans sa colocation, et qui regrette surtout qu’elle ne soit pas disponible pour sortir avec lui, comme lui fait remarquer sa colocatrice. Toutefois, l’histoire de la veuve Rousseau, racontée en quelques phrases, rappelle qu’il y avait des femmes libres et émancipées en plein XVIIIe siècle. Ce sont les petites choses qui s’avèrent malaisantes, qui viennent imperceptiblement vicier l’ambiance, qui s’accumulent faisant que l’inquiétude s’immisce. Après tout ce n’est qu’un frôlement sans conséquence, une remarque un peu lourde sur la taille d’un bonnet, les messages égocentrés du copain sur le téléphone. Rien de grave. Mais quand même ces aspirations irréconciliables en surface entre l’envie de plaire et le comportement masculin de l’interpréter comme une autorisation implicite.

Une bande dessinée courte, une narration visuelle parfaitement exécutée et dosée, agréable à l’œil, à la densité avec un équilibre parfait, gentille et serviable, avec ce qu’il faut de caractère, très exactement comme son personnage principal. Un point de départ très simple : gagner un peu d’argent en mettant à profit son apparence physique, tout en ayant bien conscience qu’il y a un prix à payer. Un récit riche et prenant, une forme de domination systémique même pas méchante, et une prise de conscience arrivant juste à temps. Sensible et intelligent.

Professeur Bell T01 Le Mexicain à deux têtes

J’ai peur des magiciens. Avec vous autres, il y a toujours une contrepartie.

Ce tome est le premier d’une série indépendante de toute autre. Son édition originale date de 1999. Il a été réalisé par Joan Sfar pour le scénario et les dessins, et par Brigitte Findakly pour la mise en couleurs. Il compte quarante-six planches de bande dessinée.

Dans sa chambre de l’établissement de soins pour femmes anxieuses, au château de Loch Lomond, Celia est en train de lire un extrait du roman Dracula, au fantôme Eliphas. Elle s’exclame qu’elle aurait bien aimé voir cette pièce, quel dommage qu’on ne la laisse pas sortir. Cette histoire de vampires fait frissonner le spectre. Elle se moque gentiment de lui en indiquant qu’elle ignorait que les fantômes avaient peur des vampires. Il nuance : les fantômes en général, il ne sait pas, mais lui il est un trouillard, ça fait huit cents ans qu’il n’a pas quitté ce château. Elle lui fait remarquer qu’elle est là à présent, que le directeur est fou d’elle, et que dès qu’il l’autorisera à sortir, elle l’emmènera. Elle lui propose du café, il préfère du chocolat. Elle l’assure que monsieur Pinon sera un jour disposé à la laisser sortir d’ici, car il ne va tout de même pas l’épouser en camisole.

Depuis la fenêtre de son cabinet, le professeur Joseph Bell observe son client approcher dans la rue. En lui-même, il pense qu’évidemment c’était un monstre, deux têtes ! Mais on a tous ses petites excentricités. Lui, par exemple, ses cheveux étaient devenus blancs en une nuit, après la mort de sa femme. Mais c’est de Pinon dont il s’agit de parler. Il lui semble se souvenir que son client a d’abord assisté à ses cours de chirurgie pendant quelques semaines. Un homme riche, fort accent, excentrique. Bell est tératologue, spécialiste des monstres, ça les attire. Par la suite, Pinon a sollicité un rendez-vous à son cabinet de Melville Street. Bell va lui ouvrir lui-même la porte, car son domestique est souffrant, il introduit son visiteur et le mène jusqu’à son bureau. Pinon se découvre, et Bell comprend pourquoi il ne retire jamais son chapeau pendant les cours. Et avant même que le directeur ne pénètre dans son cabinet, le professeur sait ce qu’il va lui demander. Et il sait qu’il va répondre non. Pinon explique la raison de sa venue : il aime une femme et il n’osera jamais l’épouser avec cette difformité, il faut que le professeur l’opère. Ce dernier répond que l’intervention qu’il demande est beaucoup trop dangereuse, et si cette dame l’aime tant, elle saura sans doute l’accepter tel qu’il est. Le visiteur insiste : il ne croit pas, c’est une personne fragile, il dirige un établissement de soin pour femmes anxieuses. Il évite le terme d’asile car c’est un lieu luxueux où on n’emploie pas cette terminologie. Bell reformule : son interlocuteur est amoureux d’une folle. Quoi qu’il en soit, en tant que médecin, son premier devoir est de ne pas nuire. Il ne faut pas compter sur lui pour l’aider à risquer la vie de son patient pour des raisons esthétiques ou sentimentales. Pinon insiste : il ne peut pas le laisser comme ça, la petite tête le rend fou, elle grimace sans cesse et le réveille en pleine nuit avec ses grincements de dents.

En 1999, Joan Sfar a déjà cinq ans d’expérience dans le métier de bédéaste et a réalisé une quinzaine d’albums seul ou avec un scénariste ou un dessinateur, tels que Petrus Barbygère avec Pierre Dubois, Les Potamoks avec José Luis Munuera, Troll avec Jean-David Morvan et Olivier Boiscommun, Donjon avec Lewis Trondheim, ou encore Merlin avec Munuera. Il se lance donc dans une nouvelle série dont il assure le scénario et les dessins. Ce premier tome s’ouvre avec un bref avant-propos : Joseph Bell était chirurgien, pédiatre et médecin militaire. Arthur Conan Doyle, qui fut son élève, s’inspira de lui pour écrire son Sherlock Holmes. Mais pour d’obscures raisons, le romancier a passé sous silence les aspects les plus noirs de la personnalité de son mentor. Il est temps de rendre publics certains vieux dossiers. En effet, Bell (1837-1911) a bien existé, médecin et professeur de médecine écossais. Toutefois ce premier tome s’ouvre avec une jeune femme en train de lire Dracula (1897) de Bram Stoker (1847-1912) à un fantôme ce qui place d’entrée de jeu cette série dans le domaine du fantastique, ce que confirme cette première histoire. Cela se trouve vite entérinée par la particularité anatomique du Mexicain à deux têtes et des défunts animés comme des marionnettes. Le dessin se place dans un registre descriptif, sans avoir la volonté de faire œuvre de reconstitution historique rigoureuse ou académique, avec des touches de surréalisme pouvant évoquer David B.

L’illustration de couverture apparaît presque comme une gravure du dix-neuvième siècle avec toutes ces textures apportées par les innombrables petits traits noirs, semblant comme griffer chaque surface, deux éléments macabres (la fumée sortant du canon du revolver formant une tête de mort, et le monstre dans le bocal), les nuances verdâtres renforcent la sensation macabre, et le blanc des yeux du personnage attire l’attention sur son visage dur et sec. Les teintes utilisées dans la première planche continuent d’emmener le lecteur dans une ambiance avec des touches d’onirisme : la couleur du drap du fantôme le salon comme noyé dans une teinte marron, le blanc cassé d’une très légère nuance de jaune pour la peau de la jeune femme. Régulièrement, le lecteur va ressentir les sensations provoquées par ces glissements de la mise en couleur vers l’expressionnisme : le vert maladif de la morgue, le gris de la rue quand Bell se fait menacer par un porte-flingue, le mauve à l’intérieur du club du Chapeau, le contraste entre le rouge et le violet quand Bell décoche un coup de poing à Jésus (l’un des fils Pinon), le rouge cramoisi quand Bell confronte Pinon dans l’église, le gris teinté de vert après l’opération, etc. La coloriste sait élégamment produire un effet de décalage d’avec le réel, accompagnant ainsi les événements et les actes relevant de l’étrange et du bizarre.

Dans cet album, la personnalité graphique du bédéaste est encore en cours d’évolution. Il réalise déjà des traits de contour un peu tremblés, tout en donnant régulièrement du poids à une case avec des aplats de noir solide, et en s’appliquant pour des décors consistants. En particulier, il soigne les principaux lieux : l’extérieur et l’intérieur du manoir de l’asile pour femmes, de même pour la maison de ville de Bell. Le lecteur prend le temps d’admirer l’ameublement du premier, les pièces de collection peu communes du second. Il ressent des influences diverses, que ce soit les rues grisâtres et trempées d’Édimbourg, ou le cabinet aux curiosités du professeur. Il accueille comme des moments reposant la traversée de la campagne anglaise : survolée par un lit volant transportant deux passagers, traversée en train, contemplée lors de balades à pied en particulier l’immense domaine autour du manoir. Les personnages présentent une morphologie à peu près normale, à part la deuxième tête de Pinon, la blancheur de la peau de Celia, et le fantôme bien sûr. Le dessinateur les représente avec un mélange de simplification parfois naïve, ou plutôt candide, et de dramatisation par moment. Il fait preuve d’une véritable sensibilité pour le grotesque visuel, entre monstruosité physique et impossibilité onirique : le fantôme et son drap de lit, une deuxième tête collée sur le front, le lit qui vole, Celia qui se sert d’une mitrailleuse dans le cabinet de Bell, des cadavres décharnés qui parlent, etc.

Tout commence donc comme un hommage à Conan Doyle, le surnaturel en plus, comme une volonté de réaliser un personnage moins abouti que son célèbre détective, une sorte de proto Sherlock Holmes. Au vu de la référence avec Dracula (1897), il serait possible d’y voir aussi un chaînon manquant entre ces deux personnages. En découvrant le nom si particulier du fantôme, la curiosité du lecteur se trouve titillée : il peut découvrir l’existence d’un personnage ayant adopté le même prénom : Alphonse-Louis Constant (1810-1875), dit Éliphas Lévi, ecclésiastique français et occultiste. Il sent bien que l’auteur utilise ces éléments pour composer un divertissement, mettre à profit des contes et légendes pour créer un environnement original pour son personnage, avec une dose de fantôme écossais. Il y ajoute un manoir avec une pièce secrète en citant explicitement Barbe Bleue. Tout cela forme un tout étonnement cohérent, rendu plus bizarre par la survenance abrupte d’événements ou de situations que rien n’annonce, comme l’intervention expresse de Bell dans l’église en face de chez lui en pleine nuit, la présence d’une mitrailleuse dans son appartement, etc. Le divertissement fonctionne à plein grâce à l’inventivité du scénariste, aux rebondissements, aux moments de violence physique, et au drame. Lors de sa visite chez le professeur, le Mexicain à deux têtes explique que la deuxième dispose de sa propre volonté, et lui fait faire des choses qu’il réprouve, évoquant une forme de possession. Graduellement une dimension macabre vient s’y ajouter, que ce soit par la mort du frère de Bell et la fausse deuxième tête, ou par l’état des fils de Pinon. Enfin, le point de vue du professeur sur son client va évoluer au cours du récit, menant le récit vers le drame, la fatalité, l’amour malsain.

Une couverture très mystérieuse entre macabre et grotesque. Un hommage très personnel à Sherlock Holmes en imaginant son prédécesseur dans l’histoire littéraire. Des dessins avec une bonne densité descriptive et une mise en couleurs installant une ambiance mystérieuse et délétère. Une intrigue riche en imprévus bizarres et étranges, un drame amoureux. La création d’une mythologie très particulière se nourrissant de contes et légendes divers. Et aussi une belle histoire de fantôme qui n’a pas besoin d’un exorciste, mais d’un psychanalyste, car il se réfugie derrière son statut de spectre pour justifier un comportement obsessionnel.

Salvator Mundi : La folle histoire du tableau le plus cher du monde

L’art, comme toujours dans ce type de vente, ne sera même plus la question.

Ce tome contient une histoire complète retraçant la découverte et la vente de la peinture à l’huile Salvator Mundi, attribuée à Léonard de Vinci, ou à l’un de ses élèves. L’édition originale date de 2025. Il a été réalisé par Antoine Vitkine & Sébastien Borgeaud pour le scénario, et Éric Liberge pour les dessins et la couleur. Il comporte quatre-vingt-dix planches de bande dessinée. Il se conclut par un texte d’une page établissant l’état actuel du statut de l’œuvre et de son auteur.

Dans la campagne italienne, pendant la renaissance, un homme conduit sa carriole bâchée. Parmi les objets qu’il transporte, se trouve un tableau représentant un Christ faisant un signe de la main droite. Dans sa main gauche, il tient un globe, évoquant le globe terrestre. En 2017, à New York, dans les locaux de Christie’s, une équipe s’affaire pour sortir un tableau d’une caisse hautement sécurisée. Ils terminent leur intervention en accrochant le Salvator Mundi au mur. La statue de la Liberté contemple New York à ses pieds. Le monde de l’art est en émoi : selon les experts, Salvator Mundi serait une œuvre de Léonard de Vinci, pendant sa période milanaise. Christie’s parle de plus grande découverte du 21e siècle. Pourquoi est-ce un chef-d’œuvre ? Parce que c’est Léonard de Vinci représentant le Christ. Il n’existe qu’une vingtaine de tableaux de Vinci dans le monde. Celui-ci est probablement le dernier que l‘on attribue au maître. Des visiteurs se pressent pour l’admirer, une caméra filme leur réaction sur leur visage. Quelque temps plus tard, Jussi Pylkannen, le commissaire-priseur, annonce le début de la vente aux enchères du tableau. Le prix monte, avec en particulier les offres faites par Loïc Gouzier, l’organisateur de la vente, qui représente un acheteur avec qui il communique par téléphone. L’œuvre finit par être attribuée, au grand soulagement de Robert Simon, marchand d’art et découvreur du tableau.

Les chaînes d’information annoncent la nouvelle : Et maintenant, une œuvre d’art qui entre dans l’histoire. C’est une peinture à l’huile du maître Léonard de Vinci vendue aujourd’hui chez Christie’s à New York… pour la somme astronomique des 450 millions de dollars ! On l’appelle le Mona Lisa masculin, les saint Graal des chefs-d’œuvre de la peinture. Seulement une vingtaine de tableaux de maître de la renaissance sont connus des experts. On s’attendait à ce que celui-ci parte pour 100 millions de dollars, mais les cinq acheteurs dont quatre au téléphone ont suffoqué la salle avec un incroyable suspense. La peinture représentant le Christ est connue pour être le dernier tableau de Vinci, détenu par un propriétaire privé. 19 minutes après l’ouverture des enchères, le tableau est vendu pour 450 millions de dollars. Le prix le plus élevé à ce jour pour une œuvre d’art. dehors il neige sur Times Square. Quelques années plus tôt, en 2015 à Baton-Rouge, une famille enterre son aîné, et Basil Hendry, le fils du défunt, reçoit Jill Bloom de Christie’s pour faire estimer la collection d’œuvres d’art de son père.

Le sous-titre promet la folle histoire du tableau le plus cher du monde : les auteurs remplissent cette promesse. Ils commencent par mettre en scène le voyage du tableau de l’Italie vers la France, à travers d’un magnifique paysage toscan. Quatre cases dépourvues de texte, sauf pour la mention du lieu et de l’époque, des dessins dans une veine réaliste et descriptive, un effet de couleurs évoquant le sépia. Puis cinq autres pages dépourvues de texte, liant le début du long voyage de l’œuvre à sa mise en place dans les locaux de Christie’s, par l’entremise du globe que le Christ tient dans sa main. Le lecteur peut ainsi apprécier, dans ce tome, dix-neuf pages dépourvues de texte, où la narration est entièrement portée par les dessins, avec éventuellement un bref cartouche pour indiquer la localisation et la date. Les auteurs ont donc fait le choix de raconter cette folle histoire sous la forme d’un récit, mettant en scène les différents intervenants, plutôt que sous la forme d’un reportage journalistique illustré. Ainsi deux séquences sont consacrées à Léonard de Vinci (1452-1519). Puis le lecteur voit intervenir une longue chaîne de professionnels de l’art et les deux principaux acquéreurs : Jussi Pilkkänen, commissaire-priseur, Loïc Gouzer (organisateur de la vente), Robert Simon (marchand d’art, découvreur du tableau), Basil Hendry (fils du défunt propriétaire du tableau), Luke Syson (commissaire de l’exposition à la National Gallery), Artin Kemp (expert en Léonard de Vinci), Warren Adelson (marchand d’art new-yorkais), Dmitri Rybolovlelv (acquéreur du tableau), Yves Bouvier (marchand d’art), Mohammed ben Salmane (acquéreur du tableau), Emmanuel Macron (président de la République française), Jean-Luc Martinez (directeur du musée du Louvre).

L’une des fortes caractéristiques visuelles réside dans le choix esthétique de la mise en couleurs. L’artiste délaisse l’approche réaliste pour des nuances de bleu, de gris, de marron ou de vert, plutôt ternes, avec une grande habileté pour rendre compte des textures dans toute leur diversité. Le paysage toscan est magnifique comme nimbé d’une brume de chaleur, la couleur bleu-gris faisant sentir la sécheresse des herbes sur le côté de la route. En pages quatre et cinq, il représente des parties du tableau, et le lecteur éprouve la sensation que l’artiste a lui-même appliqué la technique du sfumato par endroit. En planche sept, l’effet de reflet sur les très hautes fenêtres de chez Christie’s présente cette caractéristique de déformation du fait de surfaces pas tout à fait planes. En page quinze, Robert Simon marche à Times Square sous une fine neige, une case avec des nuances bleu acier, évoquant le froid et la solitude de l’individu. Plus tard, il échange avec Dianne Modestini, la restauratrice, avec de délicates taches de bleu et de marron pour évoquer le feuillage des arbres de Central Park, transcrivant très bien cette sensation de présence indistincte. Lors de la séquence de nage avec un requin en plein océan, quelques couleurs s’immiscent dans ce rêve pour évoquer les profondeurs abyssales insondables du monde de l’art, ses manipulations cachées. Cette approche conceptuelle de la mise en couleurs fonctionne parfaitement : elle permet d’apporter une personnalité à chaque séquence, et de rappeler à chaque instant au lecteur qu’il s’agit d’une reconstitution avec sa part de spéculation et tout ce qui reste dans l’ombre.

Dès les premières pages, le lecteur ressent la qualité de l’immersion générée par les dessins. L’artiste se montre très investi dans ses représentations, avec un niveau de détails donnant une solidité extraordinaire à tout ce qui est représenté. Les montants en bois de la charrette, l’immeuble abritant Christie’s vu du ciel, les buildings de Times Square, les bouquets de fleurs autour du cercueil de Basil Clovis Hendry (propriétaire du tableau jusqu’à son décès en 2005), les outils de l’atelier de Dianne Modestini où elle restaure l’œuvre, la façade de la National Gallery, la fontaine Bethesda dans Central Park, une vue extérieure à couper le souffle du penthouse newyorkais du milliardaire Rybolovlev, le site archéologique de Madā’īn Ṣāliḥ, le yacht luxueux (et c’est un euphémisme) du prince ben Salmane, la pyramide du Louvre, etc. Alors que de nouveaux personnages interviennent régulièrement, le dessinateur sait leur donner une personnalité visuelle, avec quelques-uns mémorables, que ce soit la concentration de la restauratrice Modestini, l’apparente décontraction de Maxwell Anderson (directeur du musée d’art de Dallas) avec ses pieds chaussés de bottes sur son bureau, ou encore la présence imposante du prince ben Salmane. Ses mises en scène sont adaptées et parlantes pour chaque circonstance : du public au souffle coupé lors de la vente à une balade silencieuse de Simon dans Central Park pour réfléchir à sa stratégie. En planche dix, sans un seul mot, il représente la réaction de dix-sept visiteurs découvrant l’œuvre exposée : émouvant.

Le lecteur découvre avec plaisir une narration très accessible, sans être surchargée de pavés d’informations. La recomposition chronologique fonctionne parfaitement, avec cet homme seul faisant la route vers la France sur sa carriole, le contraste total avec l’urbanisme jusqu’aux cieux de New York. Le lecteur suit sans aucune difficulté le parcours du tableau Salvator Mundi de 2005 à sa vente à un prix record en 2017, et un peu après. Les deux premières scènes mettent en lumière la succession improbable d’événements pour qu’un objet aussi fragile parvienne à l’époque contemporaine, tout en évoquant qu’il ne reste plus qu’entre cinq et vingt pourcents de la peinture originale. D’autres dimensions de la transaction apparaissent progressivement. Alors que Dmitri Rybolovlev est la proie d’un cauchemar où domine la certitude de s’être fait flouer, arnaqué de cinquante millions de dollars, comme un vulgaire débutant, un requin vient lui dire : L’art, comme toujours dans ce type de vente, ne sera même plus la question. Plus tard, le chef d’œuvre est acquis par le prince ben Salmane et les enjeux relèvent alors de la politique internationale, en particulier la possibilité de recevoir la reconnaissance officielle du musée du Louvre. Les auteurs ont dû faire des choix dans la richesse de cette vente, laissant de côté les considérations d’expert pour l’authentification (une très vague allusion par exemple aux nœuds de bois dans le support), ou encore l’affaire Bouvier (les procès intentés par Rybolovlev à Bouvier qui l’a escroqué). L’avant-dernière scène revient à Léonard de Vinci, ouvrant une perspective sur les circonstances de la commande de l’œuvre elle-même, et les enjeux politiques qui existaient déjà à l’époque.

En fonction de sa familiarité avec les bandes dessinées de type documentaire ou reportage, le lecteur peut appréhender et se préparer à trouver de forts volumes d’informations. Ici, les auteurs mettent en œuvre une narration accessible et agréable, tout en intégrant de manière organique de nombreuses informations. Les scénaristes collaborent avec un bédéaste chevronné, faisant preuve d’un investissement remarquable pour donner à voir chaque lieu et chaque situation dans les détails, tout en conservant une lisibilité immédiate. Le lecteur découvre ainsi l’histoire d’une vente incroyable, que ce soit pour les circonstances qui ont permis à ce tableau de resurgir à l’époque contemporaine, les techniques redoutables et imparables qui ont permis d’organiser une telle vente, les enjeux pour les acquéreurs, et certaines pratiques du marché de l’art. Excellent.

American Parano T04 Burn, Hollywood, Burn !

Rien n’est corrompu, sauf les possessions, l’ego et la famille.

Ce tome fait suite à American Parano T03 Manhattan Trauma (2025) des mêmes auteurs qu’il n’est pas indispensable d’avoir lu avant, tout en apportant des informations sur la situation du personnage principal. Son édition originale date de 2026. Il a été réalisé par Hervé Bourhis pour le scénario, et par Lucas Varela pour les dessins et les couleurs. Il comprend soixante-deux planches de bande dessinée.

Jeudi cinq juin 1969, à dix-huit heures trente, dans le diner Shapiro’s, situé sur Sunset Strip à West Hollywood dans Los Angeles, la jeune serveuse Susan vient de laisser tomber par terre l’assiette qu’elle allait servir à une table. Le patron, monsieur Shapiro, s’énerve : c’est la troisième fois cette semaine, et Susan reste comme interdite, sans penser à nettoyer. Puis le parton se tourne vers Kimberley Ann Tyler et lui ordonne d’aller s’occuper de la vente à emporter, tout en râlant sur ces deux empotées. Une berline attend, avec la radio, l’animateur indiquant qu’ils sont bien sur Moon Radio Los Angeles, 101.9 FM, la radio qui emmène sur la Lune. La NASA informe que le San Fernando Pop Festival bat son plein ! On peut y entendre Tiny Tim, Love et The Chambers Brothers ! Attention, ce soir, on observe vingt-cinq minutes de ralentissement sur la US-101N en quittant Beverly Hills… Et maintenant, on écoute Aquarius / Let the sun shine, par The 5th dimension ! Le conducteur passe sa commande : Le FBI voudrait un pastrami, un chili dog et deux cafés longs. Kim identifie immédiatement les agents Auerbach et Carney. Ce dernier lui demande à quelle heure elle finit son service, et lui propose de se faire une toile, et de laisser tomber la commande, car il paraît que c’est infect ici.

Le soir, vers minuit au drive-in de Olympic Boulevard à Los Angeles, Kim Tyler est assise sur la banquette arrière de la limousine des deux agents du FBI. L’un des d’eux donne son avis. Quand ils parlent de Tyler, une expression revient : Quel gâchis ! Elle avait du talent comme policière, mais elle a manqué d’un je-ne-sais-quoi… Elle suggère : D’un pénis ? Il reprend la parole : ils enquêtent sur la vitrine des Black Panthers à UCLA, on parle d’activités antipatriotiques. Son collègue prend à son tour la parole : Il y aurait une fraternité d’étudiants blancs qui les soutient, et peut-être même les finance. Il suggère qu’avec son apparence juvénile, la jeune femme pourrait les infiltrer. Il lui tend un portefeuille avec de faux papiers, une fausse identité, des photos de sa fausse famille. Elle deviendra Kate Michaels, étudiante originaire du Connecticut. Elle répond sèchement qu’elle n’a pas démissionné de la police pour faire ce genre de choses, ça ne l’intéresse pas. Alors qu’elle sort de la voiture et qu’elle s’en éloigne, l’un des deux agents lui demande si elle préfère se faire peloter dans un diner miteux jusqu’à la fin de ses jours. Vendredi six juin 1969 à 21h00, Kim gare sa VW sur le parking sur le parking du diner Shapiro’s et elle salue sa collègue Susan en train de s’en griller une à l’arrière. Cette dernière tend du feu à Kim et lui demande si elle connaît le sorcier. Elle pense que Kim lui pairait beaucoup, son côté si clean, en bonne santé. Le patron sort et leur ordonne d’aller bosser. Susan propose de venir le lendemain soir à Laurel Canyon pour rencontrer le sorcier ; il lui suffira de dire qu’elle vient pour le baby-sitting.

En découvrant ce quatrième tome, le lecteur s’aperçoit que l’héroïne de cette série, un peu mutique, lui manquait. Ses grands yeux bleus sa chevelure rousse coupée court, sa menue silhouette, sa réserve ou, au moins, le fait qu’elle ne parle qu’avec parcimonie, sa force de caractère et sa détermination, une personnalité singulière. Il retrouve son visage fermé, ne laissant que rarement passer l’expression d’une émotion réelle ou simulée. Il le ressent comme un caractère stoïque : une grande maîtrise d’elle-même, une acceptation des choses comme elles sont et la détermination de les affronter du mieux possible, ainsi qu’un détachement de ses propres émotions, sans se laisser contrôler par le désir du plaisir ni la peur de la douleur, utilisant son esprit pour comprendre le monde. Ce caractère se dégage de sa façon d’être, de ses postures, de la distance qu’elle sait mettre avec les autres, voire de ses mouvements de recul lors des contacts physiques. Par moments, le lecteur en vient même à penser qu’elle éprouve des difficultés à ressentir des émotions, entre anesthésie affective et mécanisme de défense, parfois donnant même une sensation de personne dépressive, sans être privée de motivation pour autant.

C’est également un grand plaisir de retrouver les caractéristiques de la narration visuelle. Le lecteur s’est habitué à cet équilibre délicat, entre dessins tout public proche de la ligne claire et ton résolument adulte. Ce parti pris graphique peut s’avérer déconcertant dans un premier temps : des silhouettes et des traits un peu simplifiés pour les personnages, des décors à la représentation également simplifiée, tout en étant diversifiés et consistants. D’un côté, Kim passe quasiment toute l’aventure dans son costume bleu de serveuse : col blanc, manches courte, et même son tablier porté en toute circonstance, comme s’il s’agissait d’une aide visuelle, le costume du héros qui permet de la reconnaître au premier coup d’œil parmi tous les personnages, en toutes circonstances. D’un autre côté, Charles Wilcox, le principal personnage secondaire, change régulièrement de tenue comme un individu normal, en fonction de la séquence. Le visage de Kim présente une peau lisse, avec des yeux bien ronds, et des lunettes dont on ne voit que la monture filiforme noire. Alors que le lecteur peut lire des émotions complexes et adultes sur les visages de tous les autres personnages : le contentement infatué de trois clients masculins à la main leste et aux remarques sexistes dans le diner, les rides fortement marquées du propriétaire, l’entrain calculé de Wilcox, le regard éteint et résigné des parents de Susan, la réelle inquiétude monsieur Babitz quand Kim prononce à haute voix le terme Black Panthers dans un lieu public fréquenté, l’air exalté de certaines membres de la famille Wilcox, etc. De la même manière, le dessinateur joue sur le contraste entre des simplifications totales (la surface unie dépourvue de marquage au sol ou de texture des chaussées), et des lieux complexes (la structure métallique d’un viaduc, une station-service, ou la belle villa de Frank Creamcheese). Une fois la période d’adaptation passée, le lecteur ressent que ces caractéristiques fonctionnent très bien pour mettre à nu l’anormalité des comportements, sans voyeurisme malsain.

Outre la reconstitution historique inhérente à un récit se déroulant dans le passé (les tenues vestimentaires et les lieux, y compris les lettres du panneau HOLLYWOOD en mauvais état à l’époque), le dessinateur représente de nombreuses personnalités publiques passées à la postérité. S’il est familier du contexte, le lecteur identifie au premier coup d’œil l’inspiration pour Charlie Wilcox : Charles Manson (1934-2017). Dans la chambre de Susan, le poster de Jim Manitoba rend hommage à Jim Morrison (1943-1971) des Doors. En page quarante-deux, il découvre une case de la largeur de la page, avec Wilcox conduisant une moto de type Chopper sur une route traversant une zone désertique : Easy Rider (1969), de Dennis Hopper (1936-2010), confirmé par la cellule de texte portant la mention Born to be wild, la chanson de Steppenwolf. Cela nécessite un peu plus de culture pour identifier les célébrités présentes à la fête donnée par Wilcox dans la villa d’emprunt, ou les gugusses fréquentant Laurel Canyon. En revanche, pas de doute sur l’identité réelle de Frank Creamcheese grâce à sa dégaine inimitable : Frank Zappa (1940-1993). Ces références attestent que le dessinateur a effectué de solides recherches pour s’approprier les apparences de ces personnes, et que le scénariste baigne dans son élément, prenant un plaisir évident et communicatif à restituer ce pan social et culturel de l’époque.

Comme dans les tomes précédents, les auteurs ont choisi de s’affranchir des noms réels des personnages, pour pouvoir raconter l’histoire à leur sauce, sans être accusés d’arrangements avec la réalité… tout en en respectant l’esprit. En fait, l’intrigue conserve sa place de personnage principal à Kim Tyler, dans une enquête où elle se retrouve impliquée à titre personnel et dans laquelle elle paye de sa personne, perdant même son quant à soi à plusieurs reprises ! Elle se retrouve à évoluer comme un poisson hors de l’eau, une personne réservée et farouchement introvertie dans un monde communautaire faisant la fête à renfort de substances psychotropes. Cela donne lieu à un bad trip caractérisé et sévère, une double page hallucinée et angoissante, reprenant des moments traumatiques des tomes précédents. Alors qu’elle n’exprime pas ses ressentis ou ses émotions, ni même ses convictions, son décalage avec les autres fait ressortir la bizarrerie à ses yeux (et donc aux yeux du lecteur) de chaque personne rencontrée, de chaque comportement, et par l’entremise de la mission confiée par les agents du FBI, de l’anticonformisme et de la transgression par rapport à l’ordre social prévalent. En filigrane, le lecteur capte les valeurs morales de Kim, les limites qu’elle s’est fixées, le courage qu’elle en tire, et même son empathie, bien cachée et bien réelle. Sans oublier ses défauts très humains, dont elle a également conscience, en particulier sa relation avec son fils.

Quatrième enquête pour Kim Tyler, toujours aussi personnelle malgré un apparent manque d’émotions. La narration visuelle évoque ouvertement la ligne claire, subtilement pervertie par la complexité des adultes et les défauts comportementaux et moraux. Une plongée dans les États-Unis de la côte Ouest en 1969, avec ses individus hauts en couleurs, de Manson à Zappa. Une enquête à haut risque nécessitant un courage frisant l’inconscience, un cheminement qui ne laisse pas le personnage principal intact. En même temps, ce qui ne la tue pas la rend plus forte. Un polar de haute volée.

Ekhö monde miroir T02 Paris empire

Envoyez un pigeon voyageur. On va honorer cet engagement.

Ce tome fait suite à Ekhö monde miroir T01 New York (2013) qu’il faut avoir lu avant pour la découverte initiale de ce monde. Son édition originale date de 2013. Il a été réalisé par Christophe Arleston pour le scénario, par Alessandro Barbucci pour les dessins, et par Nolwenn Lebreton pour les couleurs. Il compte quarante-sept planches de bande dessinée. Il s’ouvre avec une présentation des principaux personnages en deux phrases chacun : le monde d’Ekhö, Fourmille Gratule, Yuri Podrov, Grace Lumumba, Sigisbert de Motafiume, et les Preshauns.

Sur Ekhö, New York a un petit air différent. Des dragons remplacent les hélicos, les gratte-ciels ont des faux airs de donjons, mais elle s’y habitue. New York reste toujours New York, même sans électricité ni technologie. Et elle, Fourmille Gratule, dans ce monde comme dans l’autre, elle doit faire face au quotidien… Dans les bureaux de son agence, elle vient de comprendre qu’ils n’ont plus un rond. La danseuse et associée Grace Lumumba, nom de scène Yumma, lui confirme que les caisses sont vides, elles ont deux mois de loyer en retard, et elle n’a pas eu de salaire depuis… Pfiouuu ! Trop Longtemps ! La patronne Fourmille croyait que l'agence marchait bien : ils ont un paquet d'artistes sous contrat, ils prennent quinze pourcents, ça fait des sous, non ? Grace répond que pas tant que ça, les cachets sont minables en ce moment, et l’agence manque de vedettes. Youri Prodov suggère qu’ils pourraient retourner chasser dans Central Park, mais ce n’est pas facile. Grace reprend la parole : ils avaient un gros contrat à Paris, mais ce n’est plus possible : quinze jours d’exclusivité au Poulain Rouge pour Yumma et Yummy… or Yummy est en prison.

Yuri indique qu’il veut bien partir à la recherche d’un autre boulot, mais il faut que Fourmille l’accompagne, les Preshauns leur ont interdit de rester séparés trop longtemps. La jeune femme râle : pourquoi écouteraient-ils les Preshauns ? Après tout, c’est juste des genres d’écureuils dans des vêtements ridicules ? Puis elle se tourne vers Grace pour lui demander : Bon, le contrat de Paris, gros comment ? Au vu de la réponse, elle décide d’envoyer un pigeon voyageur pour dire qu’ils vont honorer l’engagement. Elle a décidé qu’elle reprendra le rôle de Yummy, elle est assez belle pour faire un strip-tease, et elle ordonne à Yuri de garder les yeux fermés quand elle sera en scène. Sur ce, elle se met à danser avec Yumma, pendant que Yuri va plonger la tête dans un seau d’eau froide. Mais quelques semaines plus tôt à Paris, s’étaient déroulés des événements d’une importance capitale pour la suite. Alors qu’il dinait dans un restaurant de luxe, le prince Antone avait reçu un pli contenant des révélations dont il décide de faire part sans attendre à son père, l’empereur. Sans répondre aux questions pressantes des journalistes de la presse mondaine, il monte dans son carrosse, et le cocher le lance à vive allure dans les rues de Paris. Il se produit un accident mortel alors qu’ils empruntent le souterrain du pont de l’Alma.

Un début de série bien sympathique avec le premier tome : de la Fantasy sur un rythme enlevé, avec une forte teneur en divertissement. Un couple mal assorti se prenant gentiment le bec, et découvrant progressivement les règles de cette réalité alternative où les longs voyages s’effectuent dans des grandes cabines à dos de dragon plutôt que dans des avions long courrier. Un monde ressemblant fortement à l’ère moderne, mais sans la technologie électrique, électronique, informatique ou même à vapeur. Sans magie non plus, mais avec une race appelée les Preshauns, assurant une fonction de régulation des forces surnaturelles dont celle appelée énergie thaumique. L’intrigue du premier tome mêlait découverte de ce monde et enquête sur un meurtre, cette dernière étant rondement menée. Au vu du titre, le lecteur comprend que cette seconde aventure fournit l’occasion d’aller découvrir une autre ville reconfigurée : Paris. Il retrouve avec plaisir les dessins très vivants de l’artiste, la mise en couleurs très mordorée, aux couleurs chaudes et agréables. Il constate rapidement que certains éléments visuels du premier tome refont leur apparition dans celui-ci assurant une continuité visuelle pour la série. Il voit tout aussi rapidement que le scénariste a à nouveau fait en sorte de jouer sur les forces graphiques du dessinateur, que ce soit l’apparence des créatures bizarres, le décalage baroque des lieux, ou les courbes des héroïnes.

Dès la couverture, il apparaît que les auteurs continuent de se faire plaisir sur le plan visuel, que ce soit le scénariste en concevant les variations d’avec le monde réel, ou le dessinateur pour les donner à voir. Au vu de la composition de l’illustration, la tenue de Fourmille capte immédiatement l’attention, à commencer par sa belle coiffure de type choucroute montée haut sur la tête, avec de magnifiques volutes, une longue mèche dans le dos, rehaussée par une plume de grande taille. S’il y est sensible, le lecteur va retrouver le changement coiffure déjà employé dans le premier tome, quand le corps de l’héroïne est possédé par un défunt décédé de mort violente à qui il reste un problème à régler, passant de cheveux au vent à des cheveux attachés en queue de cheval. Comme le suggère la couverture, la charmante demoiselle va se produire dans un numéro de cabaret avec effeuillage, et il est possible d’admirer une première coiffure avec bouquet de plumes sur la tête en page de titre, puis une autre avec tour Eiffel intégrée. Le volume des cheveux de Grace impressionne toujours autant, ainsi que sa capacité à les maîtriser. Le lecteur pourra aussi admirer les différents couvre-chefs de ces messieurs, en particulier pour les uniformes. Le reste de sa tenue attire également l’œil, pour ce qu’elle a de révélatrice (le cache-sexe en plumes), et de suggestives (ses gants d’opéra qui s’arrêtent au-dessus du coude). Il en retrouve une variation très proche lors du numéro de strip-tease de Yumma & Yummy, qui s’accompagnent en chantant Déshabillez-moi (1967), écrite par Robert Nyel et composée par Gaby Verlor. Le dessinateur prête une attention particulière aux tenues vestimentaires de tous les personnages, avec des formes et des accessoires singuliers, plutôt que de se contenter de vêtements sans personnalité.

Le lecteur vient pour l’interprétation baroque et rétro mâtinée de fantasy de Paris, et pour le spectacle, il en a pour son argent. Les auteurs indiquent explicitement qu’ils s’inspirent de l’accident qui a coûté la vie à Diana Spencer (1961-1997) avec une course-poursuite entre son carrossée et les journalistes à ses trousses, dans une séquence menée à toute vitesse. L’action reprend ensuite le dessus lors d’un attentat contre l’empereur avec des explosions secouant la tour Eiffel et des individus courant dans les sens. Le lecteur retient ensuite son souffle lors d’une autre course-poursuite à dos de dragon en plein Paris, et évidemment pendant le numéro de Yumma & Yummy, alors même que le dessinateur se tient à distance de la titillation facile, évitant la nudité de ces deux danseuses. L’histoire présentant une plus grande unité que celle du premier tome, l’artiste dispose de plus de latitude pour donner à voir Paris, en maintenant une cohérence visuelle. Cela constitue un spectacle de premier choix pour le lecteur qui se projette dans les différents lieux revisités qu’il les reconnaisse ou non : la façade du Ritz, la colonne Vendôme, le souterrain du pont de l’Alma, le Poulain (Moulin) rouge, la cathédrale Notre-Dame de Paris, la tour Eiffel (tour de pierre et de bois), le trente-six quai des Orfèvres, le George V rebaptisé Georges W, etc. Le plaisir pris par l’artiste est communicatif, et le lecteur déguste chaque création.

Ayant établi les bases de la présente série, le scénariste peut réaliser une histoire plus focalisée sur l’intrigue, tout en mettant à profit ce qui a été établi dans le premier tome. Le lecteur retrouve donc la dynamique entre les personnages principaux, la nécessité qu’ils restent à proximité l’un de l’autre, la nature mystérieuse de ce monde et sa supervision par les Preshauns (leprechaun), avec quelques allusions au tome précédent comme chasser dans central Park, le besoin de thé chez les Preshauns, ou encore une histoire de souvenirs effacés. Il retrouve également le goût d’Arleston pour les jeux de mots, que ce soit un conducteur de taxi qui s’écrie Kouignamama (en référence à une pâtisserie bretonne riche en beurre) ou le nom de famille du chorégraphe et propriétaire du Poulain Rouge, Damon Toidéhgaj. Pour des raisons de contrat rémunérateur à honorer, les personnages se rendent à Paris, ce qui permet au lecteur d’avoir la confirmation de qui constitue le groupe récurrent en plus de Fourmille et Yuri. L’intrigue repose à nouveau sur une mort violente, un secret détenu par le défunt à faire éclater, et la possession par lui de Gratule à des moments (in)opportuns. Le scénariste sait y faire pour composer un récit avec des moments de bravoure, un peu de titillation du lecteur sur les émotions, courage, agacement, détermination, amour contrarié ou refoulé, et une tension qui va crescendo jusqu’au final spectaculaire. Une aventure haute en couleurs.

Deuxième aventure pour Fourmille Gratule, Yuri Prodov, Grace Lumumba et Sigisbert Motafiume. Scénariste et dessinateur s’entendent parfaitement pour réinventer Paris à leur sauce, une variation inventive et colorée, tenant toutes ses promesses de divertissement imaginatif. L’intrigue conduit les héros à nouveau à mener une enquête sur une mort brutale, et cette fois-ci un trafic d’armes. Le lecteur se laisse embarquer et profite du spectacle et de l’action.