Eden 2 Une saison aux enfers

La partie de chasse ne fait que commencer !

Ce tome est le second d’un diptyque formant une histoire complète, indépendante de toute autre. Il faut avoir lu le premier tome avant : Eden 1 Retour au monde perdu (2019). Sa première publication date de 2022. Il a été réalisé par André Taymans pour le scénario et les dessins. Les couleurs ont été réalisées par le studio Caroline. Le tome commence avec une page épaisse en papier pelliculé et la proposition de découper proprement cette feuille pour couper autour de la forme et réaliser un pliage pour construire son propre combi logotisé Eden.

Dans le monde perdu, à l’intérieur de l’avion soviétique Bartini Beriev VVA-14, Andy réveille Kathy Malone et Carole, pour leur indiquer qu’il faut partir. Tom leur demande si elles ont bien dormi et leur confirme que c’est le moment ou jamais de partir. Il ajoute qu’il a fait quelques trouvailles dont une mitraillette automatique M3, ça peut servir. Les quatre compagnons sortent de l’habitacle et avancent dans la jungle. Andy fait observer qu’il ne se souvient pas être passé par là. Tom explique que s’ils veulent lui échapper, ils doivent contourner son territoire. Kathy estime également que la probabilité qu’il les attende là où ils sont déjà passés est grande. Tom leur fait signe d’arrêter et de se taire : ils entendent des cris de ptéranodons. Tom confie son sac aux autres et avance, pistolet au poing. Kathy décide de le suivre, la M3 prête à faire feu. Ils débouchent sur un promontoire rocheux avec une vue dégagée : en contrebas dans la rivière, un troupeau d’iguanodons s’est fait attaquer par des ptéranodons qui sont en train de les dépecer. Soudain, un ptéranodon attaque par derrière et déstabilise Kathy qui chute dans le ravin jusqu’au bord de la rivière. Un volatile est prêt à l’attaquer.

Tom incite Kathy à faire feu, ce qu’elle fait : les ptéranodons s’envolent mais reviennent pour l’attaquer. Carole et Andy, ce dernier armé d’une carabine, arrivent derrière Tom et demandent ce qui se passe. Andy soupçonne Tom d’avoir poussé Kathy et le menace avec sa carabine. Carole leur crie d’arrêter leur bêtise. Tom commence à descendre la pente pour aller chercher Kathy en contrebas, bien qu’elle ne soit plus visible. Soudain, deux soldats soviétiques surgissent et capturent Carole et Andy, sans se rendre compte que Tom est quelques mètres plus bas, caché par un rocher en surplomb. Le grondement d’un tyrannosaure retentit : les soldats intiment à leurs captifs d’avancer. À l’extérieur de la muraille rocheuse formant le cirque gigantesque qui abrite le monde perdu, les deux bikers cherchent à trouver une entrée par laquelle les fuyards auraient pu entrer. Ils finissent par surprendre Harry en train de redescendre malhabilement. Ce dernier chute à terre et il est immédiatement mis en joue. En réponse à une question, il indique que Tom, l’afro-américain s’est joint au groupe. Les deux bikers exigent qu’il les conduise à l’intérieur du monde perdu.

Le lecteur curieux commence par lire les quelques lignes de l’auteur en vis-à-vis de la première page. André Taymans explicite ses intentions Les aventures de Kathy Malone et ses compagnons sont un modeste hommage aux films et récits d’aventure de série B de son enfance. Hommage aux aventurières et aventuriers en quête de cités perdues, de trésors enfouis, combattant les savants fous et autres méchants nazis en fuite. Hommage à cette culture populaire qui n’a jamais eu d’autre ambition que de divertir. Le lecteur se rend compte que cette intention est à prendre au pied de la lettre : des aventures premier degré, sans trop s’embarrasser de psychologie, ou de vraisemblance à l’occasion d’un ou deux expédients narratifs. Alors, oui, l’auteur n’hésite pas à charger la barque en conventions de genre de série B, voire Z : les dinosaures bien sûr, les femmes à l’aise avec les armes à feu, la criminelle à la libido en mode turbo, les Russes en pleine guerre froide, un vétéran du Vietnam, et même un savant nazi travaillant sur un projet de conquête de l’espace. L’artiste augmente le niveau de spectaculaire avec une attaque de ptéranodons, une attaque de tyrannosaure, une scène de sexe, et à partir de la page trente-deux, c’est parti pour l’enchaînement de scènes d’action, faut que ça pète ! Le lecteur met bien volontiers son esprit critique de côté pour profiter de l’aventure, quel que soit son degré de plausibilité.

Cette seconde partie s’ouvre avec une case centrée sur cet avion à la forme si caractéristique, situé dans une clairière à proximité d’un cours d’eau, et découvert dans le tome précédent. Le jour s’est levé et il est temps pour les quatre aventuriers d’essayer de se sortir de cette situation intenable : la narration visuelle reprend de manière pragmatique. L’artiste montre la végétation, puis la portion de forêt traversée, avec certains arbres dont les racines plongent dans l’eau, et les personnages débouchent sur une zone dégagée. En contrebas se trouve le lit de la rivière et ses deux rives dans une gorge. Le lecteur se rend compte de l’investissement du dessinateur dans la création des lieux et la façon de les représenter. Il retrouve ce soin apporté à la géographie et aux environnements à l’occasion de la progression dans les tunnels souterrains reliant l’extérieur au monde perdu, dans la mine où travaille les Indiens, dans le village construit par les Russes. Il peut ainsi se déplacer avec les personnages en éprouvant la sensation d’évoluer dans des endroits cohérents. En outre, l’artiste apporte toujours un ou deux détails rendant chaque lieu unique et concret.

Le rendu des dessins assure une lecture facile de chaque case, avec un trait un peu épais pour les contours, permettant une identification des principales formes plus rapide, et une mise en couleur dans un registre naturaliste, qui fait ressortir les formes les unes par rapport aux autres. Pour autant, la densité d’informations fait que la narration visuelle ne s’adresse pas à des enfants. Le dessinateur a su trouver le juste équilibre pour que les ptéranodons apparaissent vraiment effrayants, pas une caricature grotesque que pourrait donner une forme de simplification ou des monstres de caoutchouc dans un film fauché. Bien sûr que le monde ne recèle pas de dinosaures dans un coin perdu, pour autant le lecteur se retrouve happé par le sort de Kathy Malone qui doit faire feu sur plusieurs de ces volatiles, avec sa mitraillette automatique, pour défendre sa vie. Par la suite, il ressent la tension et l’effroi irrépressible d’un petit groupe assistant à une attaque de tyrannosaures déchiquetant des dinosaures de plus petit gabarit. Il mesure toute la destruction causée par un incendie en train de se propager. Ainsi, l’artiste met en œuvre des clichés visuels, en leur redonnant du sens et du goût. Certes, le lecteur a déjà vu le coup d’un tyrannosaure qui arrive silencieusement derrière un personnage et qui le croque en deux d’un coup vif. Dans le fil de la lecture, cette scène s’avère intéressante, et pas juste un cliché artificiel prêt à l’emploi, car la présence de ces prédateurs a été établie à deux reprises précédemment, et l’individu qui sert d’en cas a toutes les raisons pour ne prêter aucune attention à ce qui se passe derrière lui. Si sa disposition d’esprit l’y incite, le lecteur peut également y voir une forme de comique macabre.

Pas d’autre ambition que de divertir : en effet, le scénariste continue de rendre hommage au roman Le monde perdu (1912) d’Arthur Conan Doyle (1859-1930), et il y ajoute son goût pour les films de série B. Ayant conscience du positionnement de ce récit de genre, le lecteur accorde le supplément de suspension d’incrédulité consentie nécessaire. Il ne s’interroge pas sur la manière dont les deux bikers ont pu se sustenter. Il évite de se poser la question de la concordance de la durée de la nuit passée par Kathy et ses compagnons, et celle qu’il a fallu aux deux bikers pour traverser la montagne. Il ne cherche pas à savoir comment l’avion a pu atterrir dans une zone de jungle. Ce qui importe, c’est la manière dont l’auteur concocte une aventure avec ces ingrédients qui aboutit à une intrigue entraînante. N’étant pas dupe, le lecteur suit bien volontiers les personnages dans cette suite de moments parfois improbables (la grande cheffe très à l’aise avec sa nudité), souvent spectaculaires et toujours divertissant.

André Taymans mène à bien son histoire. Les aventures continuent de se dérouler dans le monde perdu inventé par Conan Doyle, avec ses dinosaures et sa jungle bien fournie. La narration visuelle emmène le lecteur avec ses dessins faciles à lire, ses séquences bien rythmées, et un savoir-faire impressionnant pour concevoir un environnement en trois dimensions, plausible et propice à l’action, aux mouvements. L’intrigue s’enrichit d’autres éléments de genre totalement assumés par l’auteur, jusqu’au savant nazi, pour ne pas se contenter de répéter l’intrigue du roman originel. Le lecteur assume complètement ce récit de série B, avec ses invraisemblances (d’ailleurs tout commençait déjà avec un monde perdu dans lequel les dinosaures ont continué de vivre), appréciant ce divertissement sans prétention, bien tourné, avec une réalisation solide et professionnelle.

Maudit sois-tu - Tome 2 - Moreau

Il faut avoir conscience de sa propre mort, sinon à quoi bon vivre ?

Ce tome est le deuxième d’une trilogie : il fait suite à Maudit sois-tu T01 Zaroff (2019). Sa parution initiale date de 2021. Il a été réalisé par Philippe Pelaez pour le scénario, et par Carlos Puerta pour les dessins et les couleurs. Il comprend cinquante-quatre pages de bandes dessinées. Cette édition a bénéficié d’un ex-libris qui correspond à la couverture de réédition du tome un en 2021 à l’occasion de l’opération 48H BD. À la fin se trouve un dossier de quatre pages, abordant les thèmes Corps & âmes, Le corps objet de fantasme objet de science, La savant fou, Le créateur égal de Dieu. Il se termine avec les trois premières pages du tome trois.

Whitby Harbor, Yorkshire, Angleterre, le 13 juin 1848, à onze heures du soir. Le capitaine du port se rend devant un navire dont l’équipage est en train de décharger la cargaison. Il arrive avec un état d’esprit remonté car on ne décharge pas sans autorisation. En s’adressant aux marins, il leur intime d’arrêter, et leur demande qui est le responsable. Une voix se fait entendre pour indiquer qu’il est le responsable : le docteur Jérôme Moreau, un bel homme à la chevelure blanche portant des lunettes de vue aux verres fumés. Il présente la documentation justificative au capitaine du port : tout est là, son ami le comte Vassili Piotr Zaroff s’est occupé de toutes les formalités. Il ajoute qu’il vient de loin et que ses os craquent comme craque le bois de ce navire. Les flancs de ce dernier sont lourds et il aimerait les alléger car il est fatigué, comme ses hommes d’ailleurs. Le capitaine le reprend : il manque quelques autorisations importantes et le déchargement doit être interrompu, et il faut qu’il inspecte les caisses là-bas.

Le docteur Moreau indique au capitaine du port qu’il peut prendre tout le temps qu’il lui faut. Puis, il rentre dans une coursive, se rend devant une cage et parle à un dénommé Clarence qui se tient dedans. Il fait glisser le loquet pour ouvrir la porte en indiquant à Clarence qu’il peut aller se dégourdir les jambes. Le capitaine du port a commencé son inspection du contenu des caisses, tout en consultant l’inventaire qui lui a été remis : spécimens africains, indiens, amazoniens. Mais des spécimens de quoi ? Il soulève un drap recouvrant le dessus d’une cage : des animaux sauvages. Le félin émet un grondement qui fait prendre ses jambes à son cou au fonctionnaire. Il se dit qu’il lui faut prévenir les autorités, car il n’y a pas de parc zoologique dans le Yorkshire. Alors qu’il court dans les rues désertes faiblement éclairées, il entend un grondement derrière lui. Il se retourne sans rien apercevoir. Il décide de couper à travers le cimetière. C’est là qu’il est rejoint par Clarence. Le lendemain, Mary Shelley est conduite par son fils jusqu’au train. Il lui suggère de renoncer à son voyage car ce mot lui évoque plus les eaux chatoyantes de la Méditerranée ou l’air apaisé de la Toscane, que la lande lugubre et le brouillard épais du Yorkshire.

Conscient qu’il s’agit d’une trilogie, le lecteur a vraisemblablement commencé par le premier tome, sauf s’il nourrit une passion exclusive pour les ouvrages dérivés de L’Île du docteur Moreau (1896, The Island of Dr. Moreau) roman de science-fiction de Herbert George Wells (1866-1946). Il a déjà conscience que les trois tomes se suivent dans une chronologie à rebours, passant ainsi de 2019 pour le premier à 1848 pour celui-ci. Il se souvient également des personnages principaux du premier tome : Emily Robinson (descendante d’Emily Brontë), Eleonore Dabney (descendante de Mary Shelley), Docteur Josuah Cornford (descendant de Robert Darwin) et l’inspecteur Stisted (descendant de Maria Katherine Elizabeth Stisted, la sœur de Richard Francis Burton l’explorateur), sans oublier les deux criminels le comte Nicholas Zaroff et le docteur Charles Moreau. Il débute sa lecture et comprend vite que la scène introductive va déboucher sur une traque, ou plutôt une forme de chasse, comme la scène introductive du premier tome avec sa chasse dans les égouts. Il n’est donc pas très surpris de voir Mary Shelley (1797-1851) conduite au train, ou de la présence d’Emily Brontë dans la propriété de Jérôme Moreau. Du fait de ces parallèles entre les deux tomes, il repère plus facilement l’image du cerf et du daim lors de la chasse de Moreau & Zaroff, un écho visuel d’un cerf et de daims lors de la chasse finale du tome un.

D’une certaine manière, l’intrigue se déroule d’une façon très balisée, en jeu de miroir avec celle du tome un, en particulier parce que les antagonistes sont Zaroff & Moreau, et parce que ceux qui sont destinés à devenir les proies appartiennent aux mêmes familles que les pourchassés du tome un. Le lecteur éprouve une grande satisfaction de savoir qu’il va également retrouver les dessins de Carlos Puerta. Dès la première page, les caractéristiques réapparaissent : des cases sagement rectangulaires, sans bordure, des gouttière très fines, quelques cases en insert avec un gros plan sur un interlocuteur intervenant dans la conversation. Le rendu des dessins frappe toujours autant par sa singularité : certaines parties qui évoquent des photographies légèrement retouchées par des filtres, d’autres réalisées en couleur directe, et certaines avec un trait de contour encré et une mise en couleurs classique. Le lecteur s’adapte sans mal à ces différents rendus, se délectant des qualités des uns et des autres. Le rendu photographique s’avère le plus saisissant : des pavés humides, un escalier en pierre, un mur de briques, une locomotive à vapeur, le cerf, un escalier en bois dans la demeure de Zaroff, les livres sur les étagères de la bibliothèque, les ruines d’une église, le dallage du couloir d’un hôpital, etc. Difficile de croire que l’artiste parvient à un tel rendu par de simples dessins.

Le dessin en couleur directe se remarque tout aussi facilement : absence de trait de contour, rendu des formes et des reliefs uniquement par la peinture, jeu sur les nuances d’une même teinte pour développer une ambiance lumineuse, etc. Cette technique se prête particulièrement bien pour faire flotter une brume au-dessus du sol du cimetière, ou les effets d’environnement végétal dans les terres de chasse de Zaroff, ou encore les eaux agitées de la mer de Ligurie. Le lecteur s’attend moins à découvrir des fonds de case dans lesquels l’artiste passe en mode impressionnisme pour rendre compte d’un environnement, avec de magnifiques résultats, par exemple pour le vert d’un sous-bois, ou le jaune d’une végétation desséchée par le soleil. Les formes avec un contour encré peuvent elles aussi passer d’un registre photoréaliste, à des dessins plus bruts, aux contours moins polis. Le lecteur se régale de spectacles variés : la traque dans le cimetière, la chasse au cerf, le cheval emballé et sa cavalière en détresse, le dîner de réception à la lumière des nombreuses bougies, le laboratoire du savant fou avec son éclairage baignant tout d’une lumière verdâtre, la course haletante dans les grandes prairies.

Voilà donc le docteur Jérôme Moreau (personnage inventé pour l’occasion), aidé par le comte Piotr Vassili Zaroff, qui invite quatre personnalités de l’époque pour leur présenter les résultats spectaculaires de ses recherches. S’il a déjà croisé le docteur Moreau dans une fiction ou une autre, ou même simplement dans le premier tome, le lecteur sait très bien à quoi s’attendre. Il peut alors considérer cette histoire comme un exercice de style pour rendre hommage à ces deux créatrices, ce scientifique et ce chasseur, une autre époque, et des personnes dont la renommée a traversé les décennies jusqu’à l’époque contemporaine. Il y voit également un regard jeté sur des thèmes de société de cette époque, un tournant dans certaines opinions et certains domaines scientifiques. Cela se confirme avec les thèmes du dossier Pour aller plus loin : les manipulations et les biotechnologies évoquées par Herbert George Wells (1866-1946) dans son roman L’île du docteur Moreau, la volonté de déshumanisation appliquée aux individus malformés (ravalés à l’état de monstres de foire, quasiment des animaux), le savant fou agissant comme un père pour ses créatures, l’homme jouant au démiurge avec ses prétentions de se hisser au statut de créateur à l’égal de Dieu. Il lit alors les échanges des personnages à partir de ce point de vue.

Au vu du nombre de personnages, le scénariste n’a pas le temps de les développer tous, et il s’appuie sur les éléments passés dans la culture populaire, ce qui fait leur notoriété toutes ces décennies plus tard. Pour autant, ils ne sont pas tous réduits à un principe. Il s’amuse bien avec la mégalomanie du docteur Moreau. Il fait contraster la jeunesse d’Emily Brontë avec l’âge de Mary Shelley qui évoque son histoire personnelle. Il fait ressortir la propension à l’action de Richard Francis Burton (1821-1890). Il joue avec les possibilités offertes par la concomitance de certaines dates. Mary Shelley évoque la mort de son époux le poète Percy Bysshe Shelley (1792-1822) et la possibilité d’une malveillance dans les circonstances de sa mort. Il évoque bien sûr le séjour à l’été 1816 de Lord Byron, Mary Shelley, Percy Shelley, John Polidori et d'autres de leurs amis dans la villa Diodati, avec l’écriture des romans Frankenstein et Le Vampire. Si son inclination l’y porte, le lecteur peut également se demander ce que le principe de raconter l’histoire à rebours de l’ordre chronologique apporte : la révélation de secrets bien sûr, mais aussi la mise en lumière de la répétition des schémas, du poids du péché des pères, de la force arbitraire de l’Histoire, de la convergence d’idées de leur temps, etc.

Une certaine curiosité de découvrir ce qui s’est passé avant le premier tome, de savoir comment tous les personnages en étaient arrivés là (ou plutôt en arriveront là), et l’espoir de retrouver plus de ce qu’il a dans le tome un. Les créateurs délivrent tout ça de manière fort élégante. La narration visuelle s’avère toujours aussi riche et discrètement protéiforme, permettant au lecteur de se plonger dans cette époque pleinement concrétisée. Le scénariste reprend la même trame d’intrigue que dans le tome un, cette fois-ci nourrie par les circonstances de l’époque, les grandes interrogations de la société, en y mêlant l’histoire personnelle d’individus passés à la postérité.

Marshal Bass T02: Meurtres en famille

Ça, c’est une façon de faire ! Un coup suffit à chaque fois.

Ce tome fait suite à Marshal Bass T01: Black and White (2017). Sa première publication date de 2017. Il a été réalisé par Darko Macan pour le scénario, Igor Kordey pour le dessin, et par Nikola Vitković pour la mise en couleur. La traduction et le lettrage ont été assurés par Fanny Thuillier. Le personnage principal est inspiré de Bass Reeves (1838-1910), premier shérif adjoint noir de l’United States Marshals Service à l’ouest du Mississippi, qui a essentiellement officié en Arkansas et en Oklahoma. Il comprend cinquante-quatre pages de bandes dessinées.

Arizona, 1875. Un cavalier tenant un nourrisson emmailloté dans ses bras, arrive à proximité de la ferme isolée de la famille Vanderkolk. Timothy Brown espère bien trouver quelque chose à manger, et peut-être même prendre un bain. La Providence les a amenés par ici, rien de moins. Il avance tranquillement à cheval vers la clôture. Derrière un rideau de la ferme, la fille Sabien prévient son père Roeland que quelqu’un approche. Avec derrière lui son fils Janwillen et son épouse Rebekka, le père déclare : qu’il vienne, tout le monde est bienvenu dans cette maison. Le fils demande s’il peut s’occuper du visiteur, le père lui répond qu’il n’est pas encore prêt, un homme n’aurait pas demandé la permission pour faire ce qu’il veut. Brown frappe à la porte et l’ouvre. Il demande poliment s’il y aurait une chaise à leur table pour un voyageur exténué. Il se présente, et en réponse, Sabien fait les présentations. Mais Janwillen préfère sortir brusquement pour aller s’occuper du cheval du voyageur. Brown s’adresse alors à la jeune femme et déclare ingénument qu’il est heureux qu’elle ne soit pas mariée car il est à la recherche d’une nouvelle femme pour sa petite et il peut difficilement espérer trouver quelqu’un de plus doux et rayonnant qu’elle. Rebekka est en train de servir du ragout, et Timothy s’assoit à table, avec son nourrisson endormi dans les bras.

Timothy Brown lève une première cuillère de ragout, quand Roeland Vanderkolk l’estourbit par derrière, d’un puissant coup de hache. Il se félicite de son action : ça c’est une façon de faire, un coup suffit à chaque fois. Sabien se penche sur l’invité inconscient pour voir comment va le pauvre bébé. Elle fait une découverte des plus macabres. Le père se félicite d’avoir débarrassé le monde d’un tel individu capable de traiter ainsi un nourrisson. Janwillen entre en coup de vent dans la maison : Jacobsen arrive avec ses vaches, ses hommes et tout, et tout. La famille a juste le temps de faire disparaître les corps par une trappe dans le plancher, permettant d’accéder au vide entre la terre et le sol de la maison. Jacobsen entre dans la ferme et prend des nouvelles de Roeland : ce dernier offre un verre de schnaps au Danois. La famille Vanderkolk partage son repas avec les vachers. Dans vide sous la maison, Timothy Brown reprend ses esprits et commence à s’éloigner tant bien que mal. Il est repéré par Janwillen qui travaille à l’extérieur.

Une couverture peu révélatrice avec River Bass qui court pied nu dans le désert son revolver à la main et son chapeau porte-bonheur sur la tête, et un titre tout aussi énigmatique. Marshal Bass n’apparaît qu’à la page onze, c’est-à-dire la neuvième planche. Il est inconscient de la page vingt-trois à la page vingt-sept. Il n’apparaît finalement que dans trente-trois pages sur cinquante-quatre, mais il ne se réduit pas à une simple deux ex machina, ou à un catalyseur. Il prend une part active dans l’action. Le lecteur retrouve une partie des éléments établis dans le premier tome : la couleur de peau de River Bass (heureusement) et les réactions racistes qu’elles suscitent, son chapeau melon avec un trou de balle au niveau du front, son endurance, sa résistance aux coups, son adresse réaliste avec une arme à feu, et sa famille (son épouse Bathsheba, et sa grande fille Delilah, ses autres enfants). Le récit s’inscrit également dans le genre du western, comme pour le tome un, et il est fait mention de la famille Defoe, celle du type qu’il a descendu dans l’exercice de ses fonctions au cours du tome précédent. Le lecteur retrouve assez de caractéristiques pour se sentir dans une série, ressentir l’effet de familiarité. En outre ce deuxième tome est réalisé par les mêmes scénariste et dessinateur, et il est fait une part belle aux paysages naturels désertiques de l’Arizona.

Dès la deuxième page, le lecteur a la puce à l’oreille, surtout s’il a déjà entendu parler de la famille Bender qui a sévi dans le comté de Labette au Kansas en 1872 & 1873, par exemple dans la bande dessinée The saga of the Bloody Benders (2007) réalisée par Rick Geary. En revanche, il n’anticipe peut-être pas les intentions réelles de Timothy Brown. Affreux, sales et méchants ? Les auteurs font en sorte de donner un peu plus de personnalité à leurs personnages, toutefois ils ne brillent pas par leur intelligence. Le lecteur en découvre un premier aspect quand Janwillen se trahit bêtement en répondant à une question du marshal demandant si les Vanderkolk ont aperçu Timothy Brown en leur présentant un avis de recherche avec son portrait. Il ne s’attend pas à ce que Turtle, chasseur de primes, se montre tout aussi peu brillant, et se fasse avoir par surprise à deux ou trois reprises. Avec de tels individus manquant à ce point de jugeotte, le personnage principal passe aisément pour une lumière. Grâce à sa résistance, il parvient à contrecarrer les criminels, non sans conséquences. Pour autant, le scénariste n‘en fait pas un héros au cœur pur. Il indique qu’il attend Timothy Brown à Dryheave, en s’envoyant du whisky au saloon de Madame Cléopâtre et en appréciant les services des filles. Il devient la proie du désir charnel comme les autres hommes, totalement oublieux de son épouse. Il ne peut qu’acquiescer au constat de la jeune femme : La beauté est une prison. Si elle était laide, elle serait libre ; une femme n’est jamais libre, pas tant qu’il y a des hommes autour.

En effet, le manque de bon sens de certains ne se transforme jamais en une source de comique. Les auteurs racontent leur histoire au premier degré : le constat qu’il y aura toujours des êtres humains pour profiter des autres, en abuser, les plier à leur volonté par la force, y compris au sein même d’un groupe ou d’une communauté. Ce récit dégage une noirceur intense et fataliste. La justice prend la forme d’un lynchage ou d’un coup de feu qui atteint souvent sa cible par chance, voire d’un crâne frappé avec force contre une pierre à nombreuses reprises jusqu’à ce que mort s’en suive. Dans la petite ville de Dryheave, le shérif applique une justice pragmatique et préventive : River Bass est placé dans une cellule avec Turtle, tout marshal qu’il soit. La foule de Dryheave n’hésite pas à lyncher les meurtriers dans la minute, sans aucun procès. La civilisation prend plus la forme des échanges commerciaux, des villes, des habits, que de la justice ou de quelque forme de protection sociale que ce soit.

Dès la première page, le lecteur retrouve la qualité des images : un élégant entrelacs sophistiqué entre photoréalisme et discrètes exagérations. La première case occupe la largeur de la page : un homme sur sa monture qui observe une petite ferme à quelques dizaines de mètres de distance, en contrebas. Déjà vu mille fois, eh bien non : le lecteur n’éprouve pas de sensation d’ersatz. L’artiste et le coloriste ont représenté avec soin les quelques nuages dans le ciel bleu, la chaîne montagneuse dans le lointain, la végétation spécifique de cette région, les deux bâtiments de la ferme, la clôture en fil de fer tendu entre des piquets, la monture du cavalier avec la selle, les rênes et les sacoches, Timothy Brown avec sa gabardine, ses bottes et son chapeau. La mise en couleur complète les traits encrés comme s’il s’agissait l’œuvre d’un unique artiste, ajoutant des informations de texture, d’ombrage, de relief. S’il en prend le temps, le lecteur remarque même qu’il y a une petite boule d’herbes en train de rouler poussée par le vent, qu’il retrouve dans la troisième case. Les artistes se montrent toujours aussi investis pour donner à voir les paysages qu’ils soient naturels ou urbains. Le lecteur comprend ainsi comment est aménagée la grande pièce de la ferme avec son rideau (détail authentique extrait du mode opératoire des Bender), la nature du mobilier, le vide sous le plancher de la demeure, la disposition des bâtiments de la ville de Dryheave et l’importance donnée à certains commerces par rapport à d’autres. Il s’arrête pour contempler le dessin en double page trente-deux et trente-trois : la grande rue en terre, les chevaux attachés aux barres devant les commerces, les curieux et les professionnelles aux fenêtres, la voie de chemin de fer et le train avec sa locomotive à vapeur, le silo en hauteur pour la ravitailler, les maisons un peu à l’écart, les fils du télégraphe avec quelques oiseaux perchés dessus, les auvents en toile, les badauds dans la rue, une vision très impressionnante.

Igor Kordey et Nikola Vitković réalisent des planches d’une qualité incroyable. Le lecteur savoure aussi bien des cases pour leur décor, que des planches ou des bandes pour une prise de vue, une action, une direction d’acteurs, la mise en scène. Cela commence avec cette vision de la ferme, puis le coup de hache asséné par derrière. L’efficacité de la famille Vanderkolk pour cacher les cadavres impressionnent par sa rapidité. Le pauvre Brown rampe sous le plancher de la demeure dans des cases de la longueur de la page, d’une très faible hauteur pour bien marquer l’exiguïté de l’espace. Impossible de résister au calme et à la logique imparable de River Bass convainquant le shérif de le laisser sortir de sa cellule. Le lecteur se laisse avoir avec la même naïveté que Marshal Bass par la sincérité des aveux apeurés de Sabien. Il sourit franchement en voyant Turtle comprendre qu’il menace River Bass, sans pouvoir le contraindre. Il est pris de court par la réaction de Rebekka Vanderkolk alors que son mari vient d’être pendu. Il éprouve la résignation de Sabien et la force de la pulsion de River Bass autour du feu, dans la nuit, un moment qui le met mal à l’aise au possible, par sa tension intense.

Le premier tome avait convaincu le lecteur que le scénariste et l’artiste avait le talent nécessaire pour réaliser un western qui sorte de l’ordinaire et qui retienne son attention. Ce deuxième tome monte la barre encore un peu plus haut, avec une narration visuelle d’une grande richesse, et un scénario qui sait mettre en scène les ratages des personnages, sans pour autant en devenir poussif ou heurté. Implacable.

Libres de penser: Dix femmes, dix vies philosophiques

La nature est un monde infini. Sa modestie est la quintessence d’une forme de beauté : l’Utsukushi.

Ce tome contient un exposé sur dix femmes philosophes. Il a été réalisé à partir d’une idée originale de Jean-Philippe Thivet, avec un scénario et des dialogues de Jérôme Vermer (agrégé de philosophie), Anne Idoux (agrégé d’histoire), Thivet et Marie Dubois, avec une adaptation en BD, des dessins, une mise en scène et des couleurs de Marie Dubois. Sa parution initiale date de 2023. Il comprend cent-soixante-sept pages de bande dessinée. Il s’ouvre avec une introduction des quatre auteurs indiquant que ce livre est féministe dans le sens où il contribue à corriger un manque : celui de la place des femmes en philosophie. Il se termine avec une bibliographie commentée de dix pages sur les œuvres ou les mentions relatives à ces dix philosophes.

La nébulosité des énigmes dissimule un savoir. La dissiper laisse entrevoir la sagesse. Cléobuline, ou Eumétis (la Prudence), poétesse, philosophe, milieu du VIe siècle avant JC. La sagacité des femmes. Sa philosophie : se confronter aux énigmes ! Situées au carrefour des savoirs que l’on reçoit, questionne et façonne, elles aiguillonnent notre intelligence et exercent notre raisonnement. Là où ça se passe : les cités grecques. Époque archaïque entre 800 et 500 environ avant JC. Dans le monde grec, le banquet devient le haut lieu de la sociabilité et de la convivialité. L’élite des cités prend l’habitude de se retrouver autour d’un repas suivi d’un symposium où le vin et les paroles coulent à flots. Autour de l’an 1000 après JC, Plutarque met en scène un des banquets les plus fameux, celui des sept sages, survenu presque sept siècles plus tôt. Corinthe, vers 560 avant JC, venus de Grèce et d’Asie Mineure, sept sages se réunissent pour parler poésie, législation et philosophie. Cléobuline, une jeune adolescente, est la fille de Cléobule, un des sept sages. Et quand elle se joint à eux, ce n’est pas pour faire de la figuration. Sont présents Thalès, Pittacos, Bias, Cléobule, Anacharsis, Chilon et Solon. Elle participe au jeu des énigmes et trouve la solution à la première.

Pour atteindre l’extase, il faut mener une vie de philosophe. Hypatie d’Alexandrie, philosophe, mathématicienne et physicienne, née vers 355 et morte vers 415 à Alexandrie. La vie idéale des philosophes. Sa philosophie : chacun devrait aspirer à mener une vie de philosophe : là est la clé du bonheur et de la sagesse. Pour y parvenir, faire feu de tout bois et explorer l’immensité du champ des sciences en exerçant sa raison. Là où se passe : à Alexandrie dans l’empire d’Orient, face à l’empire d’Occident. Au tournant des IVe et Ve siècles, Alexandrie est une des villes les plus importantes de l’Empire romain. Épicentre intellectuel du bassin méditerranéen, elle est également un carrefour religieux où cohabitent païens (tenants d’un polythéisme hellénistique), juifs et chrétiens. Hypatie naît vers 355 à Alexandrie. Elle est la fille de Théon, le directeur de Mouseïon, un véritable centre universitaire dans lequel se trouve une des plus grandes bibliothèques de l’antiquité.

Comme l’annoncent les auteurs et la quatrième de couverture, cet ouvrage présente dix femmes qui ont été philosophes, ou qui ont vécu une vie philosophique : Cléobuline (vers -550), Hypatie d’Alexandrie (355-415), Sei Shônagon (966-1025), Hildegarde de Bingen (1098-1179), Christine de Pizan (1364-1430), Gabrielle Suchon (1631-1703), Louise Michel (1830-1905), Nathalie Sarraute (1900-1999), Simone de Beauvoir (1908-1986), Etty Hillesum (1914-1943). Chaque chapitre se déroule suivant la même structure. Pour commencer, une page de titre avec une grande illustration de la dame en question, son nom et une phrase évoquant son précepte phare. Par exemple pour Christine de Pizan : l’ordre est une noble vertu pour l’individu comme pour la société. Puis vient une page présentant la personne, qualité, dates de naissance et de mort, sa philosophie en une ou deux phrases, ses principales œuvres, la région du monde où elle a vécu, et le contexte géopolitique en deux ou trois phrases. Le lecteur assiste ensuite au déroulé de sa vie, en bande dessinée, avec une pagination oscillant entre dix et dix-huit pages. Il découvre alors son milieu familial, son origine sociale, les grandes phases de sa vie, émaillée de phases d’apprentissage et de formulation de ses idées, en lien direct avec ce qu’elle vit. Les auteurs synthétisent ces étapes dans le développement de sa pensée, par des phrases introduites par le terme de Leçon, cinq, six ou sept en fonction de la philosophe. Par exemple, pour Sei Shônagon : Leçon n° 1 : la nature est un monde infini. Sa modestie est la quintessence d’une forme de beauté : l’Utsukushi. Leçon n° 2 : du fait de son essence impermanente, le beau Utsukushi entre en résonance avec le bouddhisme et le taoïsme. Leçon n° 3 : la beauté liée au faste ou à un visage harmonieux engendre de l’admiration esthétique. Les détails du beau Utsukushi font battre le cœur. Leçon n° 4 : ce qui est Utsukushi suscite l’affection et un sentiment protecteur. Leçon n° 5 : le beau Utsukushi participe de l’Aware, une empathie envers les choses éphémères, teintée de mélancolie et de compassion. Leçon n° 6 : notre monde est en perpétuelle métamorphose. Le beau Utsukushi, lui, est intemporel.

Lorsqu’il découvre un ouvrage de ce type, le lecteur s’interroge sur la nature de la bande dessinée qu’il va découvrir, ainsi que sur le niveau de vulgarisation des entrées. À l’évidence, la narration visuelle va être entièrement assujettie à l’exposé, avec le risque d’avoir des illustrations figées, ou une suite de cases avec uniquement des têtes en train de parler. Effectivement, la bédéiste utilise régulièrement des cadrages allant du plan taille au gros plan, avec des personnages, souvent la philosophe, en train de parler. Ce mode de présentation fait sens au vu du besoin de présenter les idées. Pour autant, ce type de cases ne constituent pas la majorité, voire reste dans une proportion bien maîtrisée. De plus ces cases maintiennent l’apparence de la dame sous les yeux du lecteur qui continue de voir dans quelle époque elle évolue. L’artiste a choisi un mode de représentation tout public pour ses personnages, une apparence simplifiée et des expressions de visage un peu appuyées, ce qui leur insuffle un bon élan vital. En fonction de sa familiarité avec les unes et les autres, le lecteur peut également relever que Marie Dubois reproduit avec une bonne fidélité l’apparence des personnalités connues, par exemple pour Simone de Beauvoir et Jean-Paul Sartre.

Certaines vies contiennent plus d’événements remarquables que d’autres, et la bédéiste adapte sa narration visuelle en conséquence. Cela saute aux yeux du lecteur avec la vie de Louise Michel : sa jeunesse durant laquelle elle a bénéficié d’une solide éducation, les cours qu’elle donne comme institutrice, son voyage en train pour monter à Paris, ses discours publics en tant que présidente du Comité de Vigilance des Citoyennes du 18e arrondissement, sa participation à la Commune de Paris, ses discours pour convaincre les soldats à Versailles, sa lutte sur les barricades, son séjour en prison suivi de son procès et sa traversée de l’océan Pacifique en navire à voiles pour rallier le bagne de Nouvelle Calédonie, son séjour dans la communauté canaque, le cortège funéraire de cent-vingt mille personnes pour accompagner son cercueil de la gare de Lyon au cimetière de Levallois-Perret. Le lecteur ne peut pas avoir l’assurance totale de l’exactitude visuelle historique de chaque objet, chaque lieu, cependant il peut en faire l’expérience quand il voit un dessin fait d’après une photographie. D’une manière générale, il se dit que la narration visuelle fait plus qu’établir une ambiance générale, et qu’elle est nourrie par des recherches de référence significatives.

Au fil des chapitres, le lecteur remarque également que la narration visuelle peut quitter le domaine représentatif pour utiliser d’autres registres. Ainsi pour celui consacré à Hypatie d’Alexandrie, il voit apparaître des étoiles : pour passer à un niveau conceptuel, la bédéiste fait usage de cette icône avec deux branches évoquant des bras, deux autres des jambes, deux points pour les yeux, un trait pour la bouche, ce qui permet de passer dans le monde des idées. Pour Christine de Pizan, l’opinion devient une tête habitant un nuage qui s’insinue partout. Pour Gabrielle Suchon, la page quatre-vingt-quinze comprend un schéma en trois colonnes, chacune pour un état différent de la femme (sacrement du mariage, état monastique, célibat volontaire). Dans le chapitre consacré à Nathalie Sarraute, le lecteur découvre une reproduction du tableau Les coquelicots (1873), de Claude Monet (1840-1926). Dans le dernier chapitre, celui consacré à Etty Hillesum, c’est un dessin reprenant la tristement célèbre photographie des voies ferrées menant à l’entrée du cap de concentration et d’extermination d’Auschwitz. Sans oublier le retour des étoiles dans plusieurs chapitres.

Dans la bibliographie commentée, les auteurs explicitent leurs choix. Par exemple concernant Cléobuline, ils indiquent que les très rares éléments biographiques proviennent d’auteurs de l’Antiquité postérieurs au VIe siècle avant JC. Pour Hypatie d’Alexandrie, ils indiquent que ce chapitre doit énormément au livre de référence qui lui a consacré Maria Dzielska, historienne, professeur d’histoire de la Rome antique à l’université Jagelonne de Cracovie. Le lecteur peut ainsi se faire une idée par lui-même, de la manière dont ils ont orienté lesdits choix. Il note également que chaque chapitre a été construit sur mesure pour la philosophe concernée. Par exemple, celui consacré à Sei Shônagon comprend de nombreuses citations de ses ouvrages pour illustrer le concept de Utsukushi, celui sur Louise Michel se focalise plus sur son engagement dans de grands mouvements historiques, celui sur Etty Hillesum sur sa vie personnelle. Il en découle une lecture rendue très agréable par la bienveillance des dessins, et la solidité de la narration visuelle, et par l’exposé de pensées philosophiques rendues plus vivantes par la mise en scène de ces femmes, rendues plus intelligibles en les contextualisant ainsi dans leur époque.

Rien ne remplace la lecture directe des textes des philosophes, de préférence agrémentée par une explication, ou accompagné par un guide. Pour autant, cet ouvrage remplit plus qu’une simple mission de vulgarisation ou de découverte. La bande dessinée s’avère très pertinente pour donner à voir les conditions de vie de chacune de ces femmes, leur époque, leur environnement, rendant ainsi plus intelligible leur point de vue. La présentation faite par les auteurs relie les idées à l’expérience de vie de chacune, avec habileté, exposant clairement leur philosophie, ou au moins une idée phare, comme issue d’une personne curieuse et immergée dans son époque.

Oum Kalthoum: Naissance d'une diva

Qu’est-ce qui explique une telle ferveur ?

Ce tome constitue une biographie tout public de la chanteuse Oum Kalthoum. Sa première parution date de 2023. Il a été réalisé par Chadia Loueslati pour les dessins, et Nadia Hathroubi-Safsaf pour le scénario. Il se termine avec trois pages consacrées à la présentation de son entourage (Cheikh Aboul al Mohammed, Zakaria Amhmed, Ahmed Mohammed Rami, Sadik Ahmed, Gamal Abdel Nasser, Hassan el Hafnaoui), un arbre généalogique (ses parents, son frère, sa sœur), deux pages recensant les décorations et distinctions reçues à travers le monde arabe par la chanteuse), une page consacrée à une aperçu de sa discographie, une page de bibliographie, expositions et documentaires, huit pages croquis et de recherches graphiques.

Paris, le treize novembre 1967, la journaliste Diane Moulins se rend à un concert à l’Olympia. Elle remonte la longue file de spectateurs, canalisés par des barrières de police, qui attendent pour pouvoir accéder à la salle de spectacle. Elle n’en croit pas ses yeux, du nombre de personnes dans la queue. L’un d’eux lui adresse la parole, surpris qu’elle ne sache pas qui est Oum Kalthoum, car c’est la plus grande chanteuse du monde arabe. L’astre d’Orient, la diva égyptienne. Elle parvient à entrer dans le bâtiment. Elle explique qu’elle est journaliste et qu’elle a été invitée par Bruno Coquatrix. Un monsieur à l’accueil lui indique qu’il va l’en informer. Elle rejoint la salle et s’assoit. Les musiciens en costume entrent en scène. Les applaudissements retentissent, fournis. L’orchestre entame la première chanson, et Oum Kalthoum fait son apparition, rejoignant lentement le micro, son mouchoir à la main. Elle entame la mélopée, et dans les spectateurs sont en extase, en transe même pour certains.

La représentation se termine sous des applaudissements nourris. Quelle performance ! Tenir trois heures sur scène avec seulement trois chansons. Chaque récital est unique. C’est la signature d’une diva. Diane Moulins fait la connaissance de Bruno Coquatrix qui lui confie que la réussite de ce soir n’était pas gagnée d’avance. Il y a trois jours, il n’avait pas vendu la moitié des billets, et aujourd’hui c’est plein à craquer. L’idée de ce spectacle lui a été suggérée par Charles de Gaulle lui-même qui a beaucoup d’admiration pour elle. Alors que la chanteuse sort sous le crépitement des flashs, la journaliste demande au directeur s’il pourrait lui organiser un entretien avec elle avant son départ. Le lendemain, elle pénètre dans la suite de Kalthoum à l’hôtel George V. Elle fait la connaissance de Sadik Ahmed, son imprésario, puis d’Oum Kalthoum elle-même. Tout le monde prend place dans le salon, avec une tasse de thé, et l’entretien peut commencer. À la question sur son succès, la chanteuse répond qu’elle ne triche pas et que les spectateurs le sentent. Elle est à eux totalement à chaque récital. Elle ne se cache derrière aucun artifice. Ils la reconnaissent comme une des leurs. Une femme du peuple ! Elle continue : elle est née en Égypte, un soir de ramadan à Tmaé, un village du delta du Nil, au nord du Caire.

Le lecteur peut être intimidé par la couverture austère de l’ouvrage, capturant bien l’identité visuelle de la chanteuse. Il ouvre le tome et entame sa lecture : il se rend compte qu’il s’agit d’une narration tout public emprunte de gentillesse, sans aspérité ou critique sur l’artiste, avec un niveau basique d’information. Pour autant les autrices ne donnent pas dans l’hagiographie. Elles s’en tiennent aux informations essentielles, factuelles, sans jugement de valeur, sans louanges. Elles ont opté pour une tonalité qui montre le chemin parcouru depuis le petit village et l’absence d’éducation, jusqu’à devenir une chanteuse en arabe à la renommée internationale. En quelque sorte, il s’agit d’un ouvrage de vulgarisation sur la vie d’Oum Kalthoum. Le lecteur ne doit pas s’attendre à une analyse de ses chansons, de l’évolution de son orchestre au fil des décennies, ou de ses prises de position politiques. Pour autant, l’ouvrage s’appuie sur un véritable travail de recherche. Il suffit de découvrir la première scène pour pouvoir apprécier la maîtrise du sujet par les autrices. Elles ont choisi la première prestation d’Oum Kalthoum dans un pays occidental, sa première date à l’Olympia (elle s’y est produite également le 15 novembre 1967). Elles ne mentionnent pas qu’elle a exigé du directeur, d’être l’artiste la mieux payée à jouer à l’Olympia, ni qu’elle a fait don de son cachet au gouvernement égyptien.

Après la très belle couverture, le lecteur découvre la narration visuelle des pages intérieures. Cela commence par une magnifique case occupant les deux tiers de la page, et montrant les toits de Paris, avec la tour Eiffel en fond. L’effet est magnifique avec des dégradés de gris pour différencier les surfaces contigües. La journaliste remonte la file d’attente, et le lecteur apprécie à nouveau la qualité esthétique des cases, tout en s’interrogeant sur l’exactitude de ce qui est représenté. Il remarque qu’un fois à l’intérieur de l’Olympia, les fonds de case perdent en niveau de détail, même si l’usage de camaïeux à base de nuances de gris produit des fonds du plus bel effet. Le lecteur continue de regarder les paysages et les environnements : d’autres toits de Paris très, très propres sur eux, un peu plus conformes à la réalité, la salle de réception de la suite de de la chanteuse au George V, très propre sur elle, le village Tmaé et ses rues en terre battue, un champ de coton, les jardins d’une demeure luxueuse, le train qui emmène la jeune adolescente au Caire, les pyramides du plateau de Gizeh, etc. Tout baigne dans une douce lumière, avec une sensation aseptisée et apaisée. Le lecteur se dit que d’un côté il éprouve la sensation d’évoluer dans des décors tellement nets qu’ils en deviennent factices, et que de l’autre côté, il comprend bien où se déroule chaque scène. D’un côté, il voyage dans ce wagon de train bondé ; de l’autre côté la largeur intérieure du wagon est peu plausible. Juste auparavant, il effectue un voyage en cariole (page 75) dont les rayons des roues sont d’une perfection géométrique et d’une finesse impossibles. Et dans le même temps, le niveau de détails de certains environnements est d’une densité impressionnante.

Les personnages produisent une autre impression : ils sont tous souriants, ou au moins gentils, mais aussi avec des caractéristiques physiques ou vestimentaires bien différenciées, permettant de les distinguer facilement. La ressemblance d’Oum Kalthoum est rendue avec justesse, ainsi que celle des autres personnalités connues. Dans un premier temps, le lecteur peut se dire que ces individus bienveillants semblent sortir d’un manga pour filles, mais en avançant dans sa lecture, il se dit que ce mode de représentation se rapproche plus des caractéristiques des dessins animés tout public des grands studios américains. Cependant la narration visuelle n’en devient pas mièvre ou naïve pour autant. Cette approche tout public, avec des décors créés à l’infographie et une douce luminosité qui nimbe tout, rend les pages très agréables à l’œil et accentue les moments délicats. Le lecteur suspend sa lecture à plusieurs reprises pour apprécier un visuel marquant : les cinq pages (douze à seize) du concert parisien d’Oum Kalthoum (une vraie diva : sa présence, ses gestes, son absence de retenue pour être tout entière pour son public), la très jeune Oum essayant de convaincre ses parents de l’envoyer étudier au kouttab (école coranique) avec l’innocence de l’enfance, la récolte du coton dans les champs, la représentation du chant du rossignol sous la forme de calligraphies arabes superbes, la suite d’une dizaine de petites silhouettes pour montrer Oum s’habillant en garçon en page quatre-vingt-un, Oum et Hassen el Hafnaoui se donnant la main sur une berge du Nil alors qu’ils viennent de décider de se marier, etc. La dessinatrice apparaît d’une belle sincérité dans sa narration visuelle.

En fonction de sa familiarité avec la chanteuse, le lecteur peut trouver l’ouvrage très léger, une présentation très sommaire, ou au contraire apprécier d’avoir ainsi un premier contact avec une dame à la vie hors du commun. Entre les deux, il peut regretter que les autrices ne développent pas la dimension musicale de son œuvre, son inscription dans la tradition et son intégration d’éléments modernes, ou même tout simplement la qualité de sa voix et sa capacité à transmettre les émotions dans ses interprétations. Il aurait bien aimé également en savoir plus sur ses engagements politiques. Dans le même temps, à voir ainsi se dérouler la vie d’Oum Kalthoum, il mesure l’exemple qu’elle a donné d’une femme émancipée, respectable, pouvant faire elle-même ses choix de carrière, apportant son soutien à l’indépendance de l’Égypte. Il découvre une vie rendue un peu lisse par les choix narratifs, impressionnante par le talent de la chanteuse, et par son implication dans la société.

La superbe couverture quelque peu austère ne doit pas effrayer le lecteur : à l’intérieur, il découvre une narration tout public, un peu lisse, très plaisante à l’œil, quelque peu édulcorée. Pour autant l’ouvrage remplit son office : une forme de vulgarisation de la vie d’Oum Kalthoum, permettant de découvrir son parcours, l’ampleur grandissante de sa renommée, la singularité de ses chansons en arabe, son implication dans la vie de son pays. Un ouvrage qui donne envie d’en savoir beaucoup plus et d’écouter l’astre de l’Orient.

Le Bois des vierges T02 Loup

L’orgueil vous permet parfois de ces miracles.

Ce tome fait suite à Le Bois des vierges T01: Hache (2008) qu’il faut avoir lu avant car il s’agit d’un triptyque qui forme une histoire complète. Sa première édition date de 2010. Il a été réalisé par Jean Dufaux pour le scénario, et par Béatrice Tillier pour les dessins et les couleurs. Il s’agit de leur première collaboration. Par la suite, ils réaliseront le cycle des Sorcières pour la série La complainte des landes perdues. Il comprend cinquante-quatre pages de bande dessinée.

Un champ de bataille dans un zone vallonée, après l’affrontement, avec de nombreux cadavres. Le pacte disait : que Poils et Peaux s’unissent. Et Poils et Peaux s’unirent à jamais, de bataille en bataille, produisant un tableau à la fois dantesque et dérisoire qui marquait la fin de tout espoir : la même folie s’était emparé des deux camps, la raison cédait le pas, la haine dansait à perdre haleine, une sarabande menait le pays à sa perte. Mais qui s’en souciait, à présent ? Il restait quelques survivants. Les bêtes, menées par Loup-Gris, venaient de remporter une victoire importante. Il n’y avait pas de quoi pavoiser cependant : les pertes subies étaient nombreuses, trop de sang sous les bottes, on n’en finissait plus de dénombrer les siens couchés. Un petit groupe de Hautes Tailles avance au milieu des cadavres, à la recherche de celui de Hache-Pierre. Griffe-tout, une hyène, s’adresse à Loup-Gris : si c’est Hache-Pierre qu’il cherche, il peut le renseigner. Il a pris la fuite avec quelques mercenaires. Ses lynx ont bien été tentés de l’intercepter, mais il y avait trop à découper, à dévorer, à déchirer. Trop de tout. Il a la gueule en sang. Il est las de mordre. Loup-Gris répond qu’il le comprend ; il lui demandera néanmoins un dernier service. C’est lui qu’il a choisi pour porter les conditions de l’alliance des Hautes Tailles auprès des hommes. Les lynx sont plus fins que les loups, il saura négocier comme il convient cette victoire.

Le lynx est amer : il s’agit d’une victoire, à voir tout ce sang, toute cette jeunesse fauchée, il avait fini par l’oublier. Quelques jours plus tard, Griffe-Tout se tient devant le prince des armures. Celui-ci objecte au fait de supprimer les arcs-de-buse, car c’est livrer les hommes à la merci des bêtes. Le plénipotentiaire lui assure que les bêtes tiendront parole. Elles se retireront sur leurs terres, laissant leurs places fortes aux humains. Mais toute chasse sera interdite et préséance sera donnée, en tout le royaume, à ceux qui portent poils et queue. Le prince des armures se lamente de n’avoir pas su deviner une alliance qui lui paraissait impossible, celle entre bêtes de haute taille et de basse taille. Elle leur a permis de remporter la victoire. Griffe-Tout ajoute qu’il reste une dernière condition : les bêtes exigent la tête de l’un de leurs mercenaires : celle de Hache-Pierre. Ils savent qu’il est vivant. Il a pris la fuite avant la fin de la bataille. Ceci aussi explique cela : chez les bêtes, nul ne recule, chez les humains la peur abaisse trop vite les armes.

Ainsi la guerre tout juste annoncée en fin du tome un s’avère déjà terminée, avec la victoire des bêtes, de l’alliance entre Hautes Tailles et Basses Tailles. Un autre affrontement, ou plutôt un massacre, se déroule également hors champ lors de ce tome. Le lecteur en déduit que le scénariste préfère focaliser son récit sur d’autres éléments que les batailles. Les premiers cartouches de texte amènent une autre façon de voir les choses. Griffe-Tout fait observer qu’il avait fini par oublier qu’il s’agit d’une victoire, à voir tout ce sang et cette jeunesse fauchée. Dans la page d’après, le prince des armures, chef des humains, se rend compte que les conditions de la reddition les mettent à la merci des bêtes. Puis, les auteurs mettent en scène des harpies, des êtres dont le mode de vie repose sur l’agressivité et la mise à mort de leurs proies. Quant à Pan, le meneur des faunes, il décide sciemment de déclarer la guerre, d’alimenter le conflit. Les dessins montrent des actes d’agression, de mises à mort sur des personnes, avec une qualité descriptive qui donne à voir la violence sans en faire un spectacle, la sauvagerie de l’attaque, l’absence totale de toute empathie, de toute considération pour l’existence d’autrui. Lorsqu’il reçoit Hugo dans son château, le seigneur Clam est un moment perdu dans ses pensées, et il explique à son invité qu’il pense à un sort pire que la mort. Il développe : Il y a la déchéance, la dégradation. Les créatures qui vivent dans ces bois n’appartiennent pas vraiment à un monde ou à un autre : mi-bêtes, mi-humaines, elles sont rejetées par les deux communautés. Ces moments nourrissent une thématique en arrière-plan : la notion de communauté pour individus ressortant d’un même groupe ethnique, et l’exclusion d’office pour tous ceux qui sont issus d’un croisement entre communautés et donc qui n’appartiennent pleinement à aucune.

Le lecteur souhaite savoir ce qu’il va advenir d’Aube qui s’est réfugiée dans le bois des Vierges, et il s’immerge dans ce monde si concret dès la première page. Il se retrouve dans cette ambiance macabre avant même d’avoir lu un mot, du fait de cette teinte rougeâtre qui, associée au champ de bataille, lui évoque immédiatement le sang. Deux séquences plus loin, il se retrouve à marcher sur plage, le long de l’océan, avec la teinte un peu grisâtre du sable du fait d’un soleil timide et d’un ciel nuageux, une végétation tirant vers le vert lichen évoquant l’hiver, les pierres grises du château avec quelques taches évoquant les plantes grimpantes qui s’y agrippent ainsi que les effets des embruns. L’ambiance chromatique change du tout au tout quand Clam s’enfonce dans le bois des Vierges, les teintes de vert deviennent alors dominantes, d’impérial à pistache, plus ou moins sombres en fonction du moment de la journée ou de la nuit. Le contraste est saisissant quand Aube pénètre dans la chaumière de la famille Piglet, avec une lumière jaune, ce qui crée une coupure nette avec les verts de l’extérieur. Le lecteur apprécie le niveau de minutie de la mise en couleurs dans la planche quarante, quand Aube découvre que les marches du perron de la chapelle sont jonchées de fleurs sauvages : une image enchanteresse.

Comme pour le premier tome, le lecteur éprouve la sensation que le scénariste a écrit en fonction des points forts de l’artiste, ou de ce qu’elle souhaitait dessiner, car l’investissement de cette dernière s’exhale de chaque case, ainsi que le plaisir d’imaginer et de dessiner. Cela se voit dès les costumes des individus examinant les cadavres sur le champ de bataille : des tuniques, des pantalons finement ouvragés et décorés, avec une multitude de détails reproduits fidèlement d’une case à l’autre, et des modèles différents pour les loups et pour la hyène. Le lecteur prend ensuite le temps de noter les marques de pouvoir sur la tenue du prince des armures, par rapport aux soldats qui se tiennent derrière lui. Il regarde le vêtement plus simple de Hugo, et plus adapté au froid amené par le vent, la tenue plus riche de son hôte le seigneur Clam, puis la chemise de nuit diaphane de la femme dans la fosse commune. Les deux robes d’Aube sont somptueuses, à nouveau finement ouvragée et décorée. Il sourit en voyant qu’elle revêt un chaperon rouge pour aller chercher à manger dans la ferme voisine.

Le lecteur prend tout autant son temps pour admirer les différentes pièces du château du seigneur Clam : la taille des pierres, les sculptures, les frontispices, les bas-reliefs, le mobilier en bois, les rares tentures qui s’avèrent être en mauvais état, les croix en pierre dans le cimetière, les chaises rembourrées dans la salle à manger. Par la suite, il admire la tour du Commandeur dans laquelle sont regroupées les vierges du bois du même nom, l’aménagement intérieur simple de la ferme des Piglet avec son lavoir, la petite chapelle sur son îlet, avec son pont de pierre. Il ralentit régulièrement sa lecture pour savourer une séquence ou un visuel superbe : la promenade le long de la plage, la brume formant un tapis au-dessus du cimetière, les vagues fouettant les récifs au pied du château du seigneur Clam, la transformation nocturne de ce dernier, la sauvagerie de la première attaque de la harpie, le demi-cercle formé par les faunes autour de la ferme, la baignade nocturne d’Aube, l’attaque ignoble des faunes contre l’arbre, puis contre les centaures. Un délice.

L’intrigue générale progresse donc à une allure soutenue, laissant la place pour les interactions entre personnages. Chacun se retrouve dans une position complexe où la marge de manœuvre ne présente pas beaucoup de liberté, devant accomplir son devoir. Loup-Gris doit imposer les conditions de la paix aux humains. Hugo doit trouver comment emporter la décision du seigneur Clam, en faisant usage de tous les moyens, et la dessinatrice sait montrer sa jeunesse avec des expressions de visage moins réprimées. Le seigneur Clam arbore un air plus résigné, accablé par la certitude que sa condition rend impossible l’union amoureuse qu’il souhaite, mais refusant de l’accepter. Aube apparaît assez jeune, moins de trente ans, encore optimiste quant à de nouveaux commencements, quant à un champ des possibles ouvert qu’il suffit d’oser explorer. Le lecteur se rend compte que le scénariste semble lui aussi prendre discrètement plaisir à cette histoire, quand il se voit qu’il s’amuse à intégrer des références incidentes à des contes traditionnels : Aube se vêtant d’un chaperon rouge, Aube rendu une visite à une maison habitée par des petits cochons anthropomorphes, un château abritant des vierges, et un bestiaire rendu très plausible et vivant par les dessins (centaures, faunes, harpies).

Deuxième tome de haute volée : le lecteur est emporté dès la première page (avec la forme d'un crâne en arrière-plan des cases) par une narration visuelle merveilleuse, d’une minutie extraordinaire, donnant à voir avec constance et consistance ce monde de contes et légendes, insufflant vie et caractère dans chaque personnage, créant des lieux, des situations, des tenues inoubliables. L’intrigue privilégie les personnages, leurs dilemmes, les contraintes que leur condition sociale leur impose, leur faible degré de liberté, l’envie et la curiosité optimiste d’Aube et Hugo, les deux personnages plus jeunes. Enchanteur.

Jean Cocteau & Jean Marais - Les choses sérieuses

Lutter, c’est vivre ; risquer, c’est vivre. Écarter d’avance le moindre obstacle, c’est la mort.

Ce tome contient une histoire complète, une forme de biographie consacrée au couple formé par Jean Cocteau (1889-1963) & Jean Marais (1913-1998). Sa première édition date de 2023. Le scénario a été écrit par Isabelle Bauthian, les dessins et les couleurs par Maurane Mazars. Il comporte cent-dix-neuf pages de bande dessinée. Il se termine avec un trombinoscope de trois pages présentant trente-quatre personnages apparaissant dans l’ouvrage, avec une petite vignette dessinée en gros plan, le nom de la personne, ses dates de naissance et de mort, et une brève présentation en une ou deux phrases. Après une page de remerciements des autrices, vient une liste des principales œuvres de Jean Cocteau.

Eugénie Cocteau, la mère de Jean, s’interroge. Elle ne sait pas comment elle a fait pour mettre au monde un poète. C’est très, très difficile. Il a toujours été sensible, cruel, parfois avec elle. Si, si, se souvient-il de ce gros mensonge, dans le train, qui manqué de la faire arrêter ? Avec ses amis, par contre… Ah, ils ne l’ont pas toujours remercié de sa générosité. Elle espère qu’il ne revoit plus cet odieux Maurice Sachs. Bien. En tout cas, elle est contente qu’il prenne enfin soin de sa santé. Et qu’en est-il de son mariage avec mademoiselle Chanel ? Mais pourquoi ne pas lui avouer ? Puisque c’est dans les journaux ! Paris en 1937, les journaux évoquent le fait que par crainte des milliers de tracts distribués par le Front populaire allemand, on ne fait plus l’obscurité dans les rues de Berlin. Jean Cocteau écrit un article sur le génie du boxeur Panama Al Brown. Dans le journal Action française, un article tourne en dérision le soutien de Cocteau à Brown. Un soir, Jean Marais reçoit un appel téléphonique de Jean Cocteau qui lui demande de venir immédiatement.

Jean Marais se rend en courant à l’hôtel Castille et va frapper à la porte de la chambre de Jean Cocteau. Celui-ci lui indique d’entrer, et il déclare au jeune acteur que c’est une catastrophe, il est amoureux de lui. D’abord pris de court, Marais se ressaisit et répond rapidement que c’est réciproque. Le lendemain, l’acteur dîne avec une actrice de la troupe de théâtre et elle le met en garde : s’il devient le nouvel enfant de Cocteau, les gens ne le verront plus jamais autrement. Quelques jours plus tard, le poète le présente à ses amis et ses amants : Christian Bérard, Boris Kochno, Marcel Khill, puis Marie-Laure de Noailles, Panama Al Brown, etc. L’actrice continue : tout le monde saura que Jean Marais n’est que le dernier en date de ces médiocres qu’il a parés de tous les talents, tellement il voulait le retrouver en eux. Marais ne comprend pas à quoi renvoie ce Le. Elle explicite le terme : Raymond Radiguet, le plus grand poète de leur génération, l’enfant auprès de qui Cocteau a créé ses plus grandes œuvres. Cocteau n’est plus que l’ombre de lui-même depuis sa mort. Suicidaire terrorisé par la mort, opiomane, médiocre. C’est à cette période qu’il crée sa pièce : les chevaliers de la table ronde.

Les éditions Steinkis ont débuté une collection appelé Dryade en 2022, avec Derrière le rideau - Simone Signoret et Yves Montand de Xavier Bétaucourt et Aleksi Cavaillez. La quatrième de couverture rappelle la définition de Dryade : réunion de deux principes qui se complètent réciproquement. Cette collection est consacrée aux couples qui ont marqué les esprits par leur engagement politique, leur créativité, leurs succès et leurs échecs, leurs forces et leurs faiblesses. Le présent ouvrage est donc consacré à l’idylle entre l’acteur et le dramaturge qui a duré de 1937 à 1948. Il s’arrête un peu avant. D’un côté, un poète, peintre, dessinateur, dramaturge et cinéaste français, âgé de quarante-huit ans en 1937, de l’autre un jeune acteur qui deviendra également metteur en scène, écrivain, peintre, sculpteur et potier, âgé de vingt-quatre ans. Cette idylle nait alors que le gouvernement d’Adolf Hitler a déjà viré au totalitarisme et que la seconde guerre mondiale approche, avec l’invasion et l’occupation d’une partie de la France. L’histoire personnelle de ces deux créateurs et de leur couple est indissolublement liée à celle de la France. Les autrices ont fait des choix structurels et esthétiques marqués pour rendre compte de cette réalité.

S’il commence par feuilleter l’ouvrage pour s’en faire une idée, le lecteur remarque qu’une partie significative de la narration repose sur des dialogues entre les personnages, souvent en plan poitrine ou plus rapproché, parfois en plan taille, avec un décor qui peut être minimaliste ou inexistant en fond de case, une mise en couleurs à base de camaïeu, à l’aquarelle, avec souvent une teinte prédominante pour une scène, du vert ou du rouge, un peu délavés. Il relève également une grande variété de lieux, et une discrète influence manga de type shojo dans certaines expressions de visage mais sans systématisme, souvent pour une émotion particulière plus appuyée. Dans les caractéristiques graphiques, il remarque également l’intégration de brèves coupures de presse qui semblent être des copies conformes d’articles de l’époque avec une reprographie reprenant l’épaississement des caractères et les imperfections d’imprimerie. Majoritairement l’artiste a recours à des traits de contour pour chaque forme, chaque personnage, parfois interrompus le temps d’une courbe ou d’un segment droit, et quelques cases sont réalisées en couleur directe, une certaine liberté d’exécution en phase avec la liberté d’écriture et de création de Cocteau.

Dans un premier temps, le lecteur ne sait pas trop comment s’adapter au mode narratif. Les deux pages d’introduction avec la mère de Jean Cocteau atteste de cette liberté visuelle : un dessin en pleine page, faisant penser à collage de différents éléments : la mère représentée en pied à la croisée de ce qui semble être deux faisceaux lumineux, l’un rouge, l’autre bleu, des bombes à ses pieds, une sorte de manteau ou de robe à motifs géométriques sur un mannequin à droite et un acteur ou deux déguisés en âne à gauche, la tête de son fils étant surimposée en lignes blanches. Dans la page suivante, elle est représentée en plan poitrine, jeune dans la première case, puis âgée dans la deuxième, puis en trait de contour délié de profil, puis sous forme d’une poupée gonflable avec un gros plan sur la tête, puis à nouveau comme dans la première page avec un perroquet sur l’épaule en plus. Le lecteur ne sait trop quoi en penser.

La page suivante comprend trois coupures de presse, un individu sur échelle en train de réaliser une fresque murale, et enfin deux cases, un téléphone qui sonne, un homme en très gros plan sur sa bouche qui répond. Les sept pages suivantes prennent une forme de bande dessinée classique, avec des cases alignées en bande, et ces camaïeux à l’aquarelle qui apportent de la substance, sans pour autant être figuratifs ou représentatifs de la couleur de chaque élément. En page treize, le lecteur découvre trois autres coupures de presse intégrées chacune à la place d’une case dans une bande. Puis en page seize, un autre article et cette fois-ci en surimpression de la case où les deux Jean regardent une danseuse sur scène. Les pages dix-huit et dix-neuf sont construites sur la base de juxtaposition d’images, sans bordure de case, avec un texte qui courent librement. En page trente-neuf, c’est une illustration en pleine page dépourvue de tout mot. En page quarante-quatre, trois bandes de deux cases, sans aucun mot. En page quatre-vingt-cinq, Jean Marais passe à tabac un critique insultant, et le rouge prend la place du noir pour les traits de contour et les aplats. La page quatre-vingt-treize contient uniquement le texte écrit par Jean Cocteau comme salut à Arno Breker, à l’occasion d’une exposition.

Les autrices montrent ainsi la relation qui unit les deux créateurs, la manière dont ils se soutiennent, dont Cocteau apprend à Marais à se cultiver, comment ce dernier réconforte le premier pendant les périodes de doute ou de manque. Les coupures de presse apportent un contexte partiel de la montée du nazisme, du déroulement de la guerre, des repères ponctuels et très épars, et aussi des informations sur les représentations, les parutions des œuvres de l’un, les rôles de l’autre. Il semble que l’ouvrage s’adresse d’abord à un lecteur ayant une idée préalable de la carrière de l’un et l’autre de ces deux créateurs, car la narration ne revêt pas une nature pédagogique ou vulgarisatrice. Par exemple, il vaut mieux pouvoir identifier les titres des pièces de théâtre, des films pour avoir l’assurance de ne pas les rater dans une page ou une autre. Sous cette réserve, ou après avoir lu une fiche encyclopédique sur la vie de l’un et l’autre à cette période, le lecteur ressent alors ce qui se joue pour les deux Jean, sur le plan de la création, sur le plan émotionnel, ainsi que l’intrication avec leur relation de couple. Il comprend la difficulté pour l’un comme pour l’autre de choisir s’il doit s’engager contre l’envahisseur et ses idées et comment, sur le dilemme cornélien d’accomplir leur métier de créateur dans une période d’incertitude totale sur la possibilité de faire jouer une pièce, de réaliser un film, de subir la censure, d’aider des amis ou d’autres créateurs qui portent l’étoile jaune. Ces questionnements et les décisions afférentes apparaissent sans manichéisme ni leçon de morale, découlant de la personnalité et l’histoire de l’un et de l’autre.

Une collection ambitieuse avec pour objectif de donner à voir l’engagement d’un couple dans son époque. Cette bande dessinée peut sembler un peu difficile d’accès pour un lecteur totalement ignorant de la vie des deux Jean, ce à quoi la simple lecture d’une fiche encyclopédique peut rapidement remédier. Il plonge alors dans une narration visuelle très personnelle, adaptée à la diversité des formes de création de ces deux auteurs. Il ressent la pression de l’Histoire, les événements arbitraires qui influent sur leur vie, en même temps qu’il côtoie deux êtres à la personnalité et à l’histoire différente, et qu’il devient le témoin privilégié de leur relation amoureuse et de la manière dont elle les enrichit l’un l’autre.